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¿Cuál es el origen del Rap?

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Quiero saber el origen deRap.

¿Su origen realmente se remonta a los poetas árabes? ¿O el Rapping también se remonta a sus raíces africanas?


Por lo que he podido investigar, numerosas fuentes como esta y esta se remontan a los griots de África occidental precolonial. Los griots eran esencialmente poetas y bardos que comunicaban la historia y los mensajes políticos a través del canto. Según el artículo "Política de la diáspora: poetas sahwari y transformaciones poscoloniales de un género transsahariano en el noroeste de África" de Tara Flynn Deubel en The Journal of North African Studies, ella conecta la poesía árabe hassani con las tradiciones musicales de las culturas subsaharianas. Así que, básicamente, el rap se remonta a la combinación de poetas árabes Y tradición musical africana subsahariana..


sí, los orígenes del mundo árabe eran como si 2 poetas se desafiaran líricamente, lo que es lo mismo que en la batalla de rap de hoy y al khalil ibn ahmed el farahety tuvo una idea cuando escuchó el sonido de los sowrds golpeándose entre sí, dijo por qué no poner palabras a los ritmos y luego el rap se fueron a África mediante conexiones comerciales y cuando EE. UU. se llevó a los esclavos africanos con ellos, los africanos comenzaron a rapear allí y EE. UU. dijo que sí.


Rap (n.)

principios del 14c., rappe, & quota quick, golpe ligero un golpe resonante, & quot también & quota fart & quot (finales del 15c.), nativo o tomado de una fuente escandinava (comparar rap danés, rapp sueco & quotlight blow & quot) de cualquier manera probablemente de origen imitativo (comparar bofetada, aplauso).

Argot que significa & reproche de cuota, la culpa, responsabilidad & quot es de 1777 y el significado específico & quot; acusación criminal & quot (como en la hoja de antecedentes penales, 1960) es de 1903 a vencer el rap es de 1927. El significado de "música con palabras improvisadas" estaba en la jerga de la ciudad de Nueva York en 1979 (ver rap (v.2)).

mid-14c., rappen, & quot; golpear, golpear, golpear & quot; de rap (n.). Relacionado: Rapped rapeado. Golpear los nudillos de (alguien & # x27s) & quot; dar un castigo agudo & quot es de 1749 (golpear los dedos de (alguien & # x27s) en el mismo sentido es de la década de 1670). Relacionado: rapped.

intransitivo, & quot; hablar informalmente, charlar de manera fácil & quot ;, 1929, según OED, popularizado c. 1965 en lengua vernácula afroamericana, posiblemente primero en inglés caribeño y de la jerga británica rap (v.) & Quot; decir, pronunciar & quot (en 1879), originalmente & quot; pronunciar bruscamente, hablar & quot (1540), en última instancia, una rama de sentido del rap (v. .1).

Como sustantivo en este sentido desde 1898. El significado de "interpretar música rap" se registró en 1979. Relacionado: Rapped rapped.


Rap "Feel Good"

Como se mencionó, la etapa inicial del rap y el hip-hop aún no cubría ningún tema político y, en cambio, siempre mantenía un ritmo optimista y un tema ligero para que la fiesta continuara. Este género se convirtió en la opción principal de DJ en la selección de música para sus fiestas, donde ganó popularidad masiva, pero no irrumpió en las listas de popularidad hasta casi siete años después de que su técnica fuera inspirada por DJ Herc. El rap y el hip-hop jóvenes, que aún no habían recibido la atención generalizada, se mantuvieron como un género creciente de música de fiesta hasta 1979, cuando se lanzó comercialmente "King Tim III (Personality Jock)" de The Fatback Band y se convirtió en un éxito entre los 30 principales en la gráficos de género. Después del éxito de esta canción, en los clubes y en las vallas publicitarias, el rap y el hip-hop comenzaron a crearse un lugar entre los géneros más exitosos de Estados Unidos y allanaron el camino para una posteridad de oyentes de música. Algunas de las canciones de éxito comercial de esta era temprana en Rap y Hip Hop se proporcionan a continuación.

“King Tim III” & # 8211 The Fatback Band

Rapper's Delight & # 8211 The Sugar Hill Gang

Entonces quieres ser una estrella & # 8211 Mtume

Detrás de la Groove & # 8211 Tenna Marie

Más rebote a la onza & # 8211 Zapp & amp Roger


La historia de la música rap y hip hop

El origen del hip-hop se remonta a las antiguas tribus de África. El rap se ha comparado con los cánticos, los tambores y las pisadas de las tribus africanas antes de las guerras, el nacimiento de bebés y la muerte de reyes y ancianos. Los historiadores se remontan más atrás que los orígenes aceptados del hip-hop. Nació como lo conocemos hoy en el Bronx, acunado y nutrido por los jóvenes de las áreas de bajos ingresos de la ciudad de Nueva York.

Avance rápido desde las tribus de África a los guetos de Kingston, Jamaica, a finales de los sesenta. Los empobrecidos de Kingston se reunieron en grupos para formar conglomerados de DJ. Hicieron raíces y registros culturales y se comunicaron con la audiencia a través de la música. En ese momento, los comentarios del DJ no eran tan importantes como la calidad del sistema de sonido y su capacidad para hacer que la multitud se moviera. Kool Herc creció en esta comunidad antes de mudarse al Bronx.

A finales de los sesenta, el reggae no era popular entre los neoyorquinos. Como DJ, Kool Herc hizo girar discos de rhythm and blues para complacer a su público fiestero. Pero, tuvo que agregar su toque personal. Durante los descansos, Herc comenzó a hablar con su audiencia como había aprendido a hacerlo en Jamaica. Llamó, la audiencia respondió y luego volvió a subir el volumen del disco. Esta técnica de llamada y respuesta no era nada nuevo para esta comunidad que había sido criada en iglesias bautistas y metodistas donde la llamada y respuesta era una técnica utilizada por los oradores para involucrar a la congregación. Los historiadores lo comparan con la llamada y la respuesta de los músicos de jazz y fue una parte muy importante de la cultura de la música de jazz durante el renacimiento en Harlem.

Herc & # 8217s estilo DJ se puso de moda. Su partido & # 8217s creció en popularidad. Comenzó a comprar varias copias de los mismos álbumes. Cuando cumplió con sus deberes como DJ, extendió los descansos usando múltiples copias de los mismos discos. Charló, como se llama en el salón de baile, con su público durante períodos cada vez más largos.

Otros copiaron el estilo Herc & # 8217s. Pronto se produjo una batalla amistosa entre los DJ de Nueva York. Todos aprendieron la técnica de usar break beats. Herc intensificó el juego dando agradecimientos a las personas que asistieron a las fiestas y presentando su llamada y respuesta distintivas. Otros DJ respondieron rimando con sus palabras cuando se dirigieron a la audiencia. Cada vez más DJs usaban rimas y anécdotas de dos y cuatro líneas para involucrar y exaltar a su público en estas fiestas.

Un día, Herc le pasó el micrófono a dos de sus amigos. Se ocupó de la mesa giratoria y permitió que sus amigos mantuvieran a la multitud entusiasmada con cánticos, rimas y anécdotas mientras extendía los descansos de diferentes canciones indefinidamente. Este fue el nacimiento del rap tal como lo conocemos.

El hip-hop ha evolucionado desde los días de los enfrentamientos en el sótano hasta un gran negocio en la industria de la música. En los años setenta y ochenta, los pioneros e innovadores del disco de rap fue el DJ. Era el tipo que usaba su tocadiscos para crear sonidos frescos con discos antiguos. Luego, se convirtió en el tipo que mezcló estas pausas familiares con sintetizadores para producir ritmos completamente nuevos. No ha cambiado mucho en ese aspecto del hip-hop. El tipo que crea el ritmo sigue siendo el corazón de la pista. Ahora lo llamamos productor. A pesar de que algunos DJ trabajan tanto como productores como DJ (algunos comienzan como DJ antes de convertirse en productores), hoy el & # 8217s title & # 8220DJ & # 8221 & # 8217t no tiene el mismo significado connotativo que tenía en los años ochenta. El productor de hip-hop de hoy & # 8217s realiza las mismas tareas que el DJ de los ochenta & # 8217s.

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Para los padres, el rock 'n' roll era peligroso. Para los adolescentes, era el futuro de la música.

Archivos de Michael Ochs / Getty Image

Poder de las estrellas
Elvis Presley toca para los fanáticos que gritan en su ciudad natal en Mississippi.

Era el año 1955. La mayoría de los adultos acababan de descubrir el rock 'n' roll. Y estaban horrorizados.

Ese mes de marzo salió una película llamada Blackboard Jungle. En la película, los adolescentes se apoderan de una escuela secundaria de la ciudad. Los pandilleros pelean con cuchillos. Los estudiantes lanzan pelotas de béisbol a los maestros.

La música de los adolescentes es lo primero que escucha la audiencia de la película. Comienza con un ritmo de tambor. Luego viene la canción "Rock Around the Clock". Hay un saxofón chillando y un solo de guitarra rápido. Y todo se reproduce al máximo volumen.

Los adultos nunca habían escuchado nada parecido al rock 'n' roll. Y para muchos de ellos, sonaba como una mala influencia. Convirtió a los niños en criminales, dijeron. Y se estaba extendiendo como una enfermedad.

Pero no importaba lo que pensaran los adultos. En poco tiempo, el rock 'n' roll llegó para quedarse.

Era el año 1955. La mayoría de los adultos acababan de escuchar rock 'n' roll. Y no les gustó.

Ese año salió una película llamada Blackboard Jungle. En la película, los adolescentes se hacen cargo de una escuela secundaria. Los pandilleros pelean. Los estudiantes lanzan pelotas de béisbol a los maestros.

La música de los adolescentes es lo primero que escucha la audiencia de la película. Comienza con un ritmo de tambor. Luego viene la canción "Rock Around the Clock". Hay un saxofón fuerte. Hay un solo de guitarra. Y todo se reproduce al máximo volumen.

Los adultos nunca habían escuchado nada parecido al rock 'n' roll. Muchos pensaron que era una mala influencia. Convirtió a los niños en criminales, dijeron.

Pero no importaba lo que pensaran los adultos. El rock 'n' roll llegó para quedarse.

Era el año 1955. La mayoría de los adultos acababan de descubrir el rock 'n' roll y estaban horrorizados.

Ese mes de marzo salió una película llamada Blackboard Jungle. En la película, los adolescentes se apoderan de una escuela secundaria de la ciudad: los pandilleros pelean con cuchillos y los estudiantes lanzan pelotas de béisbol a los profesores.

La música de los adolescentes es lo primero que escucha la audiencia de la película. Comienza con un ritmo de tambor. Luego viene la canción "Rock Around the Clock". Hay un saxofón chillando y un solo de guitarra de ritmo rápido, y todo se toca al máximo volumen.

Los adultos nunca habían escuchado nada parecido al rock 'n' roll y muchos de ellos consideraban la música como una mala influencia. Transformó a los niños decentes en criminales, afirmaron, y se estaba propagando como una enfermedad.

Pero no importaba lo que pensaran los adultos: en poco tiempo, el rock 'n' roll llegó para quedarse.

El rock 'n' roll, o algo parecido, había existido por un tiempo. Se llamaba rhythm and blues, o R & ampB para abreviar. Y fue interpretado por músicos negros. R & ampB provino de la música blues y de la música gospel de las iglesias del sur.

Pero esta música no era para la adoración del domingo por la mañana. Los músicos de R&A tocaban guitarras eléctricas a todo volumen. Los tambores llevaban un ritmo pesado. Y las canciones te dieron ganas de bailar.

Al principio, las compañías discográficas no creían que los oyentes blancos estuvieran interesados ​​en R & ampB. En ese momento, muchas partes del país estaban segregadas. Los niños negros y los niños blancos iban a escuelas separadas. No podían ir a los mismos conciertos.

Pero a principios de la década de 1950, las estaciones de radio comenzaron a reproducir más R & ampB. La mayoría de los espectáculos se presentaban a altas horas de la noche. Los disc jockeys sonaban geniales. Tenían apodos como Hound Dog y Jumpin 'George.

Los adolescentes de todo el mundo descubrieron el nuevo sonido. Se quedaban despiertos hasta tarde para escuchar a artistas de R&A como Fats Domino y Wynonie Harris. Usaban auriculares para que sus padres no pudieran oír.

Pronto, los niños blancos viajaban a los barrios negros para comprar discos. Luego se involucraron músicos blancos. Grabaron sus propias versiones de canciones de R&A. A veces agregaban una sensación de country-western. Y nació el rock 'n' roll.

El rock 'n' roll, o algo parecido, había existido por un tiempo. Se llamaba rhythm and blues, o R & ampB para abreviar. Fue interpretado por músicos negros. R & ampB provino de la música blues y de la música gospel de las iglesias del sur.

Pero esta música no era para la adoración del domingo por la mañana. Los músicos de R&A tocaban guitarras eléctricas. La música te dio ganas de bailar.

Las discográficas no creían que a los adolescentes blancos les gustara el R&B. En ese momento, muchas partes del país estaban segregadas. Los niños negros y los niños blancos iban a escuelas separadas. No podían ir a los mismos conciertos.

Pero a principios de la década de 1950, las estaciones de radio comenzaron a reproducir más R & ampB. Lo tocaban de noche. A los adolescentes les gustó el nuevo sonido. Se quedaban despiertos hasta tarde para escuchar a artistas de R&B como Fats Domino. Usaban auriculares para que sus padres no pudieran oír.

Pronto, los niños blancos iban a los barrios negros a comprar discos. Luego se involucraron músicos blancos. Grabaron sus propias versiones de canciones de R&A. Algunos agregaron una sensación de country-western. Y nació el rock 'n' roll.

El rock 'n' roll, o algo similar, había existido por un tiempo. Se llamaba rhythm and blues, o R & ampB para abreviar, y lo tocaban músicos negros. R & ampB evolucionó a partir de la música blues y de la música gospel de las iglesias del sur.

Pero esta música no estaba destinada al culto de los domingos por la mañana. Los músicos de R&A tocaban guitarras eléctricas a todo volumen. Los tambores llevaban un ritmo pesado y las canciones daban a los oyentes la necesidad de bailar.

Inicialmente, las compañías discográficas no creían que los oyentes blancos estuvieran interesados ​​en R & ampB. En ese momento, muchas regiones del país estaban segregadas. Los niños negros y los niños blancos asistían a escuelas separadas y no podían ir a los mismos conciertos. El racismo era un problema en todo el país.

Pero a principios de la década de 1950, las estaciones de radio comenzaron a reproducir más R & ampB. La mayoría de los espectáculos se presentaban a altas horas de la noche. Los disc jockeys sonaban geniales y tenían apodos como Hound Dog y Jumpin 'George.

Los adolescentes de todo el mundo descubrieron el nuevo sonido. Se quedaban despiertos hasta tarde para escuchar a artistas de R & ampB como Fats Domino y Wynonie Harris, usando auriculares para que sus padres no pudieran oír.

En poco tiempo, los niños blancos viajaban a los barrios negros para comprar discos. Luego, los músicos blancos entraron en escena y grabaron sus propias versiones de canciones de R&A. A veces le daban un toque de country-western. Y nació el rock 'n' roll.


Contenido

Las palabras "hip" y "hop" tienen una larga historia detrás de las dos palabras que se usan juntas. En la década de 1950, las personas mayores se referían a las fiestas en casas de adolescentes como "hippity hops". [19] La creación del término hip hop A menudo se le atribuye a Keith Cowboy, rapero de Grandmaster Flash y Furious Five. [20] Sin embargo, Lovebug Starski, Keith Cowboy y DJ Hollywood usaron el término cuando la música todavía se conocía como disco rap. [21] Se cree que Cowboy creó el término mientras se burlaba de un amigo que acababa de unirse al ejército de los EE. UU., Cantando las palabras "hip / hop / hip / hop" de una manera que imitaba la cadencia rítmica de los soldados que marchaban. [20] Cowboy luego incorporó la cadencia del "hip hop" en una parte de su actuación en el escenario. Por ejemplo, diría algo como "Dije hip-hop, hibbit, hibby-dibby, hip-hip-hop y no te detienes". [19] que fue rápidamente utilizado por otros artistas como The Sugarhill Gang en "Rapper's Delight". [20] Al fundador de Universal Zulu Nation, Afrika Bambaataa, también conocido como "El Padrino" se le atribuye el primer uso del término para describir la subcultura a la que pertenecía la música, aunque también se sugiere que era un término despectivo para describir el tipo de música. . [22] El término se utilizó por primera vez en forma impresa para referirse a la música por el reportero Robert Flipping, Jr. en un artículo de febrero de 1979 en The New Pittsburgh Courier, [23] [24] y para referirse a la cultura en una entrevista de enero de 1982 de Afrika Bambaataa por Michael Holman en el East Village Eye. [25] El término ganó más vigencia en septiembre de ese año en otra entrevista de Bambaataa en La voz del pueblo, [26] de Steven Hager, más tarde autor de una historia del hip hop de 1984. [27]

Hay desacuerdos sobre si los términos "hip hop" y "rap" pueden usarse indistintamente. Esto incluso sucede entre los escritores, intérpretes y oyentes más conocedores del hip-hop. [6] La opinión más común que se ve es que el hip-hop es un movimiento cultural que surgió en el sur del Bronx en la ciudad de Nueva York durante la década de 1970, siendo MCing (o rap) uno de los cuatro elementos principales. [6] Los otros tres elementos esenciales del hip hop son el arte del graffiti (o arte en aerosol), break dance y DJ. La música rap se ha convertido, con mucho, en la expresión más famosa de la cultura hip hop, en gran parte como resultado de que es la más fácil de comercializar para una audiencia masiva. [6]

Se han identificado elementos musicales que anticipan la música hip hop en grabaciones de blues, jazz y rhythm and blues de la década de 1950 y anteriores, incluidos varios discos de Bo Diddley. [ cita necesaria ] Álbum de palabras habladas de 1963 de Muhammad Ali Soy el mejor es considerado por algunos escritores como un ejemplo temprano de hip hop. [28] [29] [ se necesita una mejor fuente ] El sencillo de 1968 de Pigmeat Markham, "Here Comes the Judge", es una de varias canciones que se dice que es el primer disco de hip hop. [30] Antes del hip hop, hubo artistas de la palabra hablada como The Last Poets, que lanzaron su álbum debut en 1970, y Gil Scott-Heron, que ganó una amplia audiencia con su canción de 1971 "The Revolution Will Not Be Televised". ". Estos artistas combinaron la palabra hablada y la música para crear una especie de ambiente de "proto-rap". [31]

Orígenes

El hip hop como música y cultura se formó durante la década de 1970 en la ciudad de Nueva York a partir del intercambio multicultural entre jóvenes afroamericanos de Estados Unidos y jóvenes inmigrantes e hijos de inmigrantes de países del Caribe. [32] La música hip hop en su infancia ha sido descrita como una salida y una voz para los jóvenes marginados de entornos marginados y áreas de bajos ingresos, ya que la cultura hip hop reflejaba las realidades sociales, económicas y políticas de sus vidas. [33] [34] Muchas de las personas que ayudaron a establecer la cultura hip hop, incluidos DJ Kool Herc, DJ Disco Wiz, Grandmaster Flash y Afrika Bambaataa eran de origen latinoamericano o caribeño.

Es difícil precisar las influencias musicales exactas que más afectaron el sonido y la cultura del hip hop temprano debido a la naturaleza multicultural de la ciudad de Nueva York. Los primeros pioneros del hip hop fueron influenciados por una mezcla de música de sus culturas y las culturas a las que estuvieron expuestos como resultado de la diversidad de Estados Unidos.ciudades. [35] La ciudad de Nueva York experimentó una fuerte influencia del hip hop jamaicano durante la década de 1990. Esta influencia fue provocada por cambios culturales, particularmente debido a la mayor inmigración de jamaicanos a la ciudad de Nueva York y los jóvenes jamaicanos nacidos en Estados Unidos que alcanzaron la mayoría de edad durante la década de 1990.

En la década de 1970, las fiestas de barrio eran cada vez más populares en la ciudad de Nueva York, particularmente entre los jóvenes afroamericanos, caribeños y latinos que residían en el Bronx. Las fiestas de barrio incorporaron DJ, que tocaban géneros musicales populares, especialmente funk y soul. Debido a la recepción positiva, los DJ empezaron a aislar los cortes de percusión de las canciones populares. Esta técnica era común en la música dub jamaicana, [37] y fue introducida en gran parte en Nueva York por inmigrantes del Caribe, incluido DJ Kool Herc, uno de los pioneros del hip hop. [38] [39]

Debido a que las pausas de percusión en los discos de funk, soul y disco eran generalmente breves, Herc y otros DJ comenzaron a usar dos tocadiscos para extender las pausas. Herc creó el modelo para la música y la cultura hip hop basándose en la tradición jamaicana de brindar improvisado, un tipo hablado de poesía jactanciosa y discurso sobre música. [40] El 11 de agosto de 1973, DJ Kool Herc fue el DJ en la fiesta de regreso a clases de su hermana. Extendió el ritmo de un disco usando dos tocadiscos, aislando los "cortes" de percusión usando un mezclador para cambiar entre los dos discos. Los experimentos de Herc al hacer música con tocadiscos se convirtieron en lo que ahora conocemos como romper o "rayar". [41]

Un segundo elemento musical clave en la música hip hop es ser maestro de ceremonias (también llamado MCing o rap). Emceeing es la entrega rítmica hablada de rimas y juegos de palabras, entregada al principio sin acompañamiento y luego realizada en un tiempo. Este estilo hablado fue influenciado por el estilo afroamericano de "capping", una actuación en la que los hombres intentaron superarse entre sí en la originalidad de su idioma y trataron de ganarse el favor de los oyentes. [42] Los elementos básicos del hip hop (raps con alarde, "poses" (grupos) rivales, "derrotas" en la zona alta y comentarios políticos y sociales, estuvieron presentes durante mucho tiempo en la música afroamericana. Los artistas de MC y rap se movieron de un lado a otro entre el predominio de las canciones de "brindis" llenas de una mezcla de jactancia, "flojedad" e insinuaciones sexuales y un estilo más actual, político y socialmente consciente. El papel del MC originalmente era el de Maestro de Ceremonias para un evento de baile de DJ. El MC presentaría al DJ y trataría de animar a la audiencia. El MC habló entre las canciones del DJ, instando a todos a levantarse y bailar. Los MCs también contaban chistes y usaban su lenguaje enérgico y entusiasmo para animar a la multitud. Con el tiempo, este papel introductorio se convirtió en sesiones más largas de juegos de palabras rítmicos y hablados y rimas, que se convirtieron en rap.

En 1979, la música hip hop se había convertido en un género corriente. Se extendió por todo el mundo en la década de 1990 con un controvertido rap "gangsta". [43] Herc también se desarrolló sobre la música de break-beat, [44] donde los cortes de las canciones funk, la parte más adecuada para bailar, generalmente basada en percusión, se aislaron y repitieron con el propósito de fiestas de baile que duraban toda la noche. Esta forma de reproducción de música, que utiliza hard funk y rock, formó la base de la música hip hop. Los anuncios y exhortaciones de Campbell a los bailarines conducirían al acompañamiento hablado sincopado y rimado que ahora se conoce como rap. Él apodó a sus bailarines "break-boys" y "break-girls", o simplemente b-boys y b-girls. Según Herc, "romper" también era una jerga callejera para "emocionarse" y "actuar con energía". [45]

DJs como Grand Wizzard Theodore, Grandmaster Flash y Jazzy Jay refinaron y desarrollaron el uso de breakbeats, incluido el corte y el scratching. [47] A medida que la manipulación del tocadiscos continuó evolucionando, una nueva técnica que surgió fue la caída de agujas. La caída de agujas fue creada por Grandmaster Flash, se trata de pausas de batería breves y prolongadas al reproducir dos copias de un disco simultáneamente y mover la aguja en un tocadiscos de regreso al inicio de la pausa mientras el otro tocaba. [48] ​​El enfoque utilizado por Herc pronto fue copiado ampliamente y, a finales de la década de 1970, los DJ lanzaban discos de 12 pulgadas en los que rapeaban al ritmo. Las canciones populares incluyeron "The Breaks" de Kurtis Blow y "Rapper's Delight" de The Sugarhill Gang. [49] Herc y otros DJ conectaban su equipo a las líneas eléctricas y actuaban en lugares como canchas públicas de baloncesto y en 1520 Sedgwick Avenue, Bronx, Nueva York, ahora oficialmente un edificio histórico. [50] El equipo constaba de numerosos altavoces, tocadiscos y uno o más micrófonos. [51] Al utilizar esta técnica, los DJ podrían crear una variedad de música, pero según Ataque de rap de David Toop "En el peor de los casos, la técnica podría convertir la noche en una canción interminable e inevitablemente aburrida". [52] KC The Prince of Soul, un rapero y letrista de Pete DJ Jones, a menudo se le atribuye ser el primer letrista de rap en llamarse a sí mismo un "MC". [53]

Las pandillas callejeras prevalecían en la pobreza del sur del Bronx, y gran parte del graffiti, el rap y el b-boying en estas fiestas eran todas variaciones artísticas de la competencia y la superación de las pandillas callejeras. Sintiendo que los impulsos a menudo violentos de los pandilleros podían convertirse en creativos, Afrika Bambaataa fundó Zulu Nation, una confederación informal de equipos de baile callejero, grafiteros y músicos de rap. A fines de la década de 1970, la cultura había ganado la atención de los medios, con Cartelera revista que publica un artículo titulado "B Beats Bombarding Bronx", comentando sobre el fenómeno local y mencionando figuras influyentes como Kool Herc. [54] El apagón de la ciudad de Nueva York de 1977 vio saqueos, incendios y otros desórdenes en toda la ciudad, especialmente en el Bronx [55], donde varios saqueadores robaron equipos de DJ de tiendas de electrónica. Como resultado, el género hip hop, apenas conocido fuera del Bronx en ese momento, creció a un ritmo asombroso desde 1977 en adelante. [56]

Las fiestas en casa de DJ Kool Herc ganaron popularidad y luego se trasladaron a lugares al aire libre para acomodar a más personas. Organizadas en parques, estas fiestas al aire libre se convirtieron en un medio de expresión y una salida para los adolescentes, donde "en lugar de meterse en problemas en las calles, los adolescentes ahora tenían un lugar para gastar su energía reprimida". [57] Tony Tone, miembro de Cold Crush Brothers, declaró que "el hip hop salvó muchas vidas". [57] Para los jóvenes del centro de la ciudad, participar en la cultura hip hop se convirtió en una forma de lidiar con las dificultades de la vida como minorías dentro de Estados Unidos, y una salida para lidiar con el riesgo de violencia y el surgimiento de la cultura de las pandillas. MC Kid Lucky menciona que "la gente solía bailar break dance entre sí en lugar de pelear". [58] [59] Inspirada por DJ Kool Herc, Afrika Bambaataa creó una organización callejera llamada Universal Zulu Nation, centrada en el hip hop, como un medio para sacar a los adolescentes de la vida de las pandillas, las drogas y la violencia. [57]

El contenido lírico de muchos de los primeros grupos de rap se centró en cuestiones sociales, sobre todo en la pista seminal "The Message" de Grandmaster Flash and the Furious Five, que discutía las realidades de la vida en los proyectos de vivienda. [60] "Los jóvenes afroamericanos que salen del movimiento por los derechos civiles han utilizado la cultura hip hop en las décadas de 1980 y 1990 para mostrar las limitaciones del Movimiento Hip Hop". [61] El hip hop dio a los jóvenes afroamericanos una voz para que sus problemas fueran escuchados "Al igual que el rock and roll, los conservadores se oponen enérgicamente al hip hop porque romantiza la violencia, la infracción de la ley y las pandillas". [61] También dio a las personas la oportunidad de obtener beneficios económicos al "reducir el resto del mundo a los consumidores de sus preocupaciones sociales". [61]

A finales de 1979, Debbie Harry de Blondie llevó a Nile Rodgers de Chic a tal evento, ya que la principal pista de acompañamiento utilizada fue el descanso de "Good Times" de Chic. [49] El nuevo estilo influenció a Harry, y el sencillo éxito posterior de Blondie de 1981 "Rapture" se convirtió en el primer sencillo que contiene elementos de hip hop en alcanzar el número uno en los EE. UU. Cartelera Hot 100: la canción en sí generalmente se considera new wave y fusiona elementos de música pop pesada, pero hay un rap extendido de Harry cerca del final.

El boxeador Muhammad Ali, como una influyente celebridad afroamericana, recibió una amplia cobertura en los medios de comunicación. Ali influyó en varios elementos de la música hip hop. Tanto en el ring de boxeo como en las entrevistas con los medios, Ali se hizo conocido en la década de 1960 por ser un "embaucador de rimas" en la década de 1960. Ali usó una "entrega funky" para sus comentarios, que incluían "alardes, charlas cómicas y basura, [y] las interminables líneas de quotabl [e]". [62] Según Piedra rodante, sus "habilidades de estilo libre" (una referencia a un tipo de improvisación vocal en la que las letras se recitan sin un tema o estructura en particular) y sus "rimas, fluidez y fanfarronería" "algún día se convertirían en típicos de los MCs de la vieja escuela" como Run –DMC y LL Cool J, [63] este último citando a Ali como una influencia. [62] La música hip hop en su infancia ha sido descrita como una salida y una "voz" para los jóvenes marginados de áreas económicas marginadas y de bajos ingresos, [33] ya que la cultura hip hop reflejaba las realidades sociales, económicas y políticas de sus vidas. [34]

Tecnología

La primera evolución del hip hop se produjo en la época en que la tecnología de muestreo y las cajas de ritmos estuvieron ampliamente disponibles para el público en general a un costo asequible para el consumidor medio, no solo para los estudios profesionales. Las cajas de ritmos y los muestreadores se combinaron en máquinas que llegaron a conocerse como MPC o 'Centros de producción musical', cuyos primeros ejemplos incluirían el Linn 9000. El primer muestreador que se adoptó ampliamente para crear este nuevo tipo de música fue el Mellotron utilizado en combinación con la caja de ritmos TR-808. Mellotrons y Linn's fueron sucedidos por AKAI, a finales de la década de 1980. [64]

Técnicas de lista de turntablas, como "scratching" rítmico (empujar un disco hacia adelante y hacia atrás mientras la aguja está en el surco para crear nuevos sonidos y efectos de sonido, un enfoque atribuido a Grand Wizzard Theodore [65] [66]), mezcla de ritmos y / o beatmatching, y beat malabares - eventualmente desarrollado junto con las pausas de percusión, creando un acompañamiento musical o base que podría ser rapeado de una manera similar a la significación. Además, el arte del brindis jamaicano, un estilo de hablar o cantar en un micrófono, a menudo con un estilo jactancioso, mientras los ritmos se reproducen en un sistema de sonido, fue una influencia importante en el desarrollo de la música hip hop. El tostado es otra influencia que se encuentra en la música dub jamaicana. [37] [67]

Introducción al rap

El rap, también conocido como MC o presentador de ceremonias, es un estilo vocal en el que el artista habla lírica y rítmicamente, en rima y verso, generalmente a un ritmo instrumental o sintetizado. Los ritmos, casi siempre en compás de 4/4, se pueden crear muestreando y / o secuenciando partes de otras canciones por un productor. [68] También incorporan sintetizadores, cajas de ritmos y bandas en vivo. Los raperos pueden escribir, memorizar o improvisar sus letras e interpretar sus obras a capella o al compás. La música hip hop es anterior a la introducción del rap en la cultura hip hop, y la voz del rap está ausente en muchas pistas de hip hop, como "Hip Hop, Be Bop (Don't Stop)" de Man Parrish "Chinese Arithmetic" de Eric B. & amp Rakim "Al-Naafiysh (El alma)" y "Estamos balanceando el planeta" de Hashim y "Destino Tierra" de Newcleus. Sin embargo, la mayoría del género ha estado acompañada de voces de rap, como el grupo de hip hop electro influenciado por la ciencia ficción Warp 9. [69] Las raperas aparecieron en escena a finales de la década de 1970 y principios de la de 1980, incluida la artista del Bronx MC Sha. -Rock, miembro de Funky Four Plus One, a quien se le atribuye ser la primera MC femenina [70] y The Sequence, un trío de hip hop firmado con Sugar Hill Records, el primer grupo femenino en lanzar un disco de rap, Funk You Up. [ cita necesaria ]

Las raíces del rap se encuentran en la música afroamericana y, en última instancia, en la música africana, en particular la de los griots [71] de la cultura de África occidental. [72] Las tradiciones afroamericanas del significado, las docenas y la poesía de jazz influyen en la música hip hop, así como en los patrones de llamada y respuesta de las ceremonias religiosas africanas y afroamericanas. Los primeros disc jockeys de radio populares del período de la radio del atractivo negro irrumpieron en los anuncios de transmisión utilizando estas técnicas bajo el jerga hablar de la era del swing posterior a la Segunda Guerra Mundial a fines de la década de 1940 y la de 1950. [73] DJ Nat D. fue el M.C. en uno de los lugares más despiadados para cualquier aspirante a músico que intente entrar en el mundo del espectáculo, Amateur Night en el Palace Theatre en Beale Street en Memphis, Tennessee. Allí fue maestro de ceremonias desde 1935 hasta 1947 junto con su acompañante, DJ Rufus Thomas. Fue allí donde perfeccionó las docenas, lo que significa y el patrón de personalidad jock jive que se convertiría en su schtick cuando se convirtió en el primer locutor de radio negro en el aire al sur de la línea Mason-Dixon. [74] Jive popularizó la radio de atractivo negro, era el lenguaje de la juventud negra, el doble sentido y los juegos de palabras ligeramente obscenos fueron una bendición para la radio, revitalizando los índices de audiencia en los puntos de venta que estaban perdiendo participación de audiencia y cambiando al nuevo formato de R & ampB con locutores negros. El 10% de los afroamericanos que escucharon sus transmisiones descubrió que la música que promovió en la radio en 1949 también estaba en las máquinas de discos del norte de las ciudades. También estaban encontrando otros DJ como Al Benson de Chicago en WJJD, Doctor Hep Cat de Austin en KVET y Jockey Jack de Atlanta en WERD hablando el mismo estilo de rap cargado de rimas y cadencia. [75] Una vez que las emisoras de propiedad blanca se dieron cuenta de que los nuevos advenedizos estaban acaparando su participación en el mercado negro y que la Big Band y el swing jazz ya no eran "de moda", algunos DJ blancos emularon la "boca de hongo" del sur y el jive talk, dejando que su audiencia Creo que ellos también eran afroamericanos, tocando blues y Be-Bop. [76] John R. Richbourg tenía un acento sureño de que los oyentes de la programación nocturna de R & ampB del WLAC de Nashville [77] nunca fueron informados que no pertenecían a un DJ negro, al igual que otros DJ blancos en la estación. Las rimas del Dr. Hep Cat se publicaron en un diccionario de jive talk, Las Jives del Dr. Hepcat, en 1953. Jockey Jack es el infame Jack el rapero de Asunto de familia fama, después de su convención de radio a la que todos los artistas de rap debían asistir en las décadas de 1980 y 1990 [78] Estos raperos parlanchines del formato de radio de apelación negra de la década de 1950 fueron la fuente e inspiración del cantante de soul James Brown, y la 'comedia' musical actos como Rudy Ray Moore, Pigmeat Markham y Blowfly que a menudo se consideran "padrinos" de la música hip hop. [79] En la ciudad de Nueva York, las representaciones de poesía hablada y música de artistas como The Last Poets, Gil Scott-Heron [80] y Jalal Mansur Nuriddin tuvieron un impacto significativo en la cultura de la era posterior a los derechos civiles de la década de 1960. y 1970, y por lo tanto el entorno social en el que se creó la música hip hop.

Orígenes jamaicanos de los sistemas de sonido para exteriores

La radio AM en muchas estaciones estaba limitada por el 'día de transmisión', ya que se requerían licencias especiales para transmitir por la noche. Los que tenían tales licencias se escuchaban en alta mar y en el Caribe, donde Jocko Henderson y Jockey Jack eran DJs estadounidenses que se escuchaban de noche desde transmisoras de radiodifusión ubicadas en Miami, Florida. Jocko llegó a tener una gran influencia en los maestros de ceremonias jamaicanos durante los años 50, ya que la música R & ampB que se reproducía en las estaciones de Miami era diferente a la que se reproducía en JBC, que retransmitía estilos musicales locales y de la BBC. En Jamaica, los DJ instalaban grandes sistemas de sonido al borde de la carretera en pueblos y aldeas, tocando música para reuniones informales, en su mayoría personas que deambulaban desde las colinas rurales en busca de emoción al final de la semana. Allí los DJs permitían 'Brindis' de un Emcee, que copiaba el estilo de los DJs estadounidenses escuchados en radios de transistores AM. Fue por este método que la charla Jive, el rap y la rima se trasladaron a la isla y, localmente, el estilo fue transformado por el "lirismo jamaicano", o el dialecto local.

El hip hop como música y cultura se formó durante la década de 1970 en la ciudad de Nueva York a partir del intercambio multicultural entre jóvenes afroamericanos de Estados Unidos y jóvenes inmigrantes e hijos de inmigrantes de países del Caribe. [32] Lo que luego se describiría como 'fiestas de barrio' en los EE. UU. Era una realidad desde la década de 1950 en toda Jamaica, ya que los MC (llamados DJ en Jamaica) hablaban y rapeaban sobre discos en fiestas de 'sistema de sonido' desde al menos 1949 [81] Algunos fueron influenciados por el estilo vocal de los primeros MC de radio afroamericanos (incluido el de Jocko Henderson Show de cohetes de la década de 1950, que rimaba y estaba influenciado por el canto scat), que se podía escuchar por la radio en Jamaica.

Los primeros discos de DJs jamaicanos, incluido Sir Lord Comic (La Gran Wuga Wuga, 1967) vino como parte de la cultura del salón de baile local, que incluía 'especiales', mezclas únicas o 'versiones' prensadas en discos blandos o discos de acetato, y raperos (llamados DJ) como King Stitt, Count Machuki, U-Roy , I-Roy, Big Youth y muchos otros. Artistas jamaicanos como Prince Buster y Lee "Scratch" Perry (Juez Dread) ya en 1967, de alguna manera arraigada en la tradición del 'blues parlante'. El primer disco de DJ jamaicano de larga duración fue un dueto sobre un tema rastafari de los habitantes del gueto de Kingston, U-Roy y Peter Tosh, llamado Gobernante justo (producido por Lee "Scratch" Perry en 1969). El primer disco de éxito de DJ fue Rincón de fuego por el DJ del sistema de sonido Downbeat de Coxsone, King Stitt, ese mismo año 1970 vio una multitud de éxitos de DJ a raíz de los primeros y masivos éxitos de U-Roy, el más famoso Despierta la ciudad y muchos otros. A medida que se desarrolló la tradición del remix (que también comenzó en Jamaica, donde se llamaba 'versión' y 'dub'), los jóvenes DJ / raperos jamaicanos establecidos de ese período, que ya habían estado trabajando para sistemas de sonido durante años, de repente se grabaron y tenía muchos discos de éxito locales, lo que contribuyó ampliamente a la locura del reggae desencadenada por el impacto de Bob Marley en la década de 1970. Los principales DJs jamaicanos de principios de la década de 1970 fueron King Stitt, Samuel el primero, Count Machuki, Johnny Lover (quien 'versionó' canciones de Bob Marley and the Wailers ya en 1971), Dave Barker, Scotty, Lloyd Young, Charlie Ace y otros, así como también las futuras estrellas del reggae U-Roy , Dennis Alcapone, I-Roy, Prince Jazzbo, Prince Far I, Big Youth y Dillinger. Dillinger anotó el primer disco de éxito de rap internacional con Cocaína en mi cerebro en 1976 (basado en el Hazlo de la forma que quieras ritmo de People's Choice, regrabado por Sly y Robbie), donde incluso utilizó un acento neoyorquino, apuntando conscientemente al nuevo mercado del rap neoyorquino. La música dance de los DJ jamaicanos estaba profundamente arraigada en la tradición del sistema de sonido que hacía que la música estuviera disponible para la gente pobre en un país muy pobre donde la música en vivo solo se tocaba en clubes y hoteles patrocinados por las clases media y alta. En 1973, el entusiasta de los sistemas de sonido jamaiquino DJ Kool Herc se mudó al Bronx, llevándose consigo la cultura del sistema de sonido de Jamaica, y se asoció con otro jamaicano, Coke La Rock, en el micrófono. Aunque otras influencias, sobre todo el secuenciador musical Grandmaster Flowers of Brooklyn y Grandwizard Theodore of the Bronx contribuyeron al nacimiento del hip hop en Nueva York, y aunque fue minimizado en la mayoría de los libros estadounidenses sobre hip hop, la raíz principal de esta cultura del sound system era jamaicano. Las raíces del rap en Jamaica se explican en detalle en el libro de Bruno Blum, 'Le Rap'. [82]

DJ Kool Herc y Coke La Rock influyeron en el estilo vocal del rap al ofrecer versos de poesía simples sobre la música funk, después de que los asistentes a la fiesta mostraran poco interés en sus intentos anteriores de integrar brindis con infusión de reggae en conjuntos musicales. [37] [83] Los DJ y MC a menudo agregaban cánticos de llamada y respuesta, que a menudo consistían en un coro básico, para permitir que el intérprete reuniera sus pensamientos (por ejemplo, "uno, dos, tres, todos, al ritmo") . Posteriormente, los MCs se volvieron más variados en su entrega vocal y rítmica, incorporando rimas breves, a menudo con un tema sexual o escatológico, en un esfuerzo por diferenciarse y entretener al público. Estos primeros raps incorporaron docenas, un producto de la cultura afroamericana. Kool Herc & amp the Herculoids fueron el primer grupo de hip hop en ganar reconocimiento en Nueva York, [83] pero el número de equipos de MC aumentó con el tiempo.

A menudo se trataba de colaboraciones entre antiguas bandas, como Universal Zulu Nation de Afrikaa Bambaataa, ahora una organización internacional. A Melle Mel, un rapero de The Furious Five, a menudo se le atribuye el mérito de ser el primer letrista de rap en llamarse a sí mismo un "MC". [84] A principios de la década de 1970, el B-boying surgió durante las fiestas de barrio, cuando los b-boys y b-girls se colocaban frente al público para bailar con un estilo distintivo y frenético. El estilo fue documentado para su lanzamiento a una audiencia mundial por primera vez en documentales y películas como Guerras de estilo, Estilo salvaje, y Beat Street. El término "B-boy" fue acuñado por DJ Kool Herc para describir a las personas que esperarían la sección de pausa de la canción, poniéndose frente a la audiencia para bailar con un estilo frenético y distintivo. [85]

Aunque hubo algunos MCs tempranos que grabaron proyectos en solitario notables, como DJ Hollywood, Kurtis Blow y Spoonie Gee, la frecuencia de artistas solistas no aumentó hasta más tarde con el auge de solistas con presencia escénica y drama, como LL Cool. J. La mayor parte del hip hop temprano estuvo dominado por grupos donde la colaboración entre los miembros era parte integral del espectáculo. [86] Un ejemplo sería el grupo de hip hop Funky Four Plus One, que actuó de esa manera en Sábado noche en directo en 1981. [87]

Transición a la grabación

La música hip hop más antigua se interpretó en vivo, en fiestas en casas y eventos de fiestas de barrio, y no se grabó. Antes de 1979, la música hip hop grabada consistía principalmente en grabaciones de la caja de resonancia del sistema de megafonía de espectáculos en vivo y mixtapes de hip hop realizados por DJs. El DJ puertorriqueño Disco Wiz es reconocido como el primer DJ de hip hop en crear un "plato mixto" o grabación de dub mixto, cuando en 1977 combinó fragmentos de sonido, efectos especiales y ritmos en pausa para producir técnicamente una grabación de sonido. [88] El primer disco de hip hop es ampliamente considerado como "Rapper's Delight" de The Sugarhill Gang, de 1979. Fue el primer disco de hip hop en ganar popularidad en la corriente principal y fue de donde la música hip hop obtuvo su nombre (de la barra de apertura). [89] Sin embargo, hay mucha controversia en torno a esta afirmación, ya que algunos consideran el sencillo de marzo de 1979 "King Tim III (Personality Jock)" de The Fatback Band, como un disco de rap. [90] Hay varios otros aspirantes al título del primer disco de hip hop.

A principios de la década de 1980, todos los elementos y técnicas principales del género hip hop estaban en su lugar, y para 1982, el sonido electrónico (electro) se había convertido en la tendencia en la calle y en los clubes de baile. La estación de radio WKTU de la ciudad de Nueva York presentó "Nunk" de Warp 9, en un comercial para promover el sonido característico de la estación del hip hop emergente [91]. encontrarse en ciudades tan diversas como Los Ángeles, Atlanta, Chicago, Washington, DC, Baltimore, Dallas, Kansas City, San Antonio, Miami, Seattle, St. Louis, Nueva Orleans, Houston y Toronto. De hecho, "Funk You Up" (1979), el primer disco de hip hop lanzado por un grupo femenino, y el segundo sencillo lanzado por Sugar Hill Records, fue interpretado por The Sequence, un grupo de Columbia, Carolina del Sur que contó con Angie Stone. [92] A pesar de la creciente popularidad del género, Filadelfia fue, durante muchos años, la única ciudad cuyas contribuciones podían compararse con las de Nueva York. La música hip hop se hizo popular en Filadelfia a fines de la década de 1970. El primer disco lanzado se tituló "Rhythm Talk", de Jocko Henderson.

Los New York Times había apodado Filadelfia como la "Capital Mundial del Graffiti" en 1971. La DJ Lady B, nativa de Filadelfia, grabó "To the Beat Y'All" en 1979, y se convirtió en la primera artista femenina de hip hop solista en grabar música. [93] Schoolly D, a partir de 1984 y también desde Filadelfia, comenzó a crear un estilo que más tarde se conocería como gangsta rap.

Influencia de la discoteca

La música hip hop fue influenciada por la música disco, ya que la música disco también enfatizó el papel clave del DJ en la creación de pistas y mezclas para bailarines, y el hip hop de la vieja escuela a menudo usaba pistas disco como ritmos. Sin embargo, al mismo tiempo, la música hip hop también fue una reacción violenta contra ciertos subgéneros de la música disco de finales de los setenta. Si bien la discoteca temprana era música underground afroamericana e italoamericana creada por DJ y productores para la subcultura de los clubes de baile, a fines de la década de 1970, las ondas de radio de la discoteca estaban dominadas por las canciones disco tradicionales, grabadas caras y producidas por la industria de la música. Según Kurtis Blow, los primeros días del hip hop se caracterizaron por divisiones entre fanáticos y detractores de la música disco. El hip hop había surgido en gran medida como "una respuesta directa a la música disco diluida, europeizada y que impregnaba las ondas de radio". [94] [95] El hip hop más antiguo se basó principalmente en bucles de hard funk procedentes de discos de funk antiguos. Sin embargo, en 1979, los loops / pistas instrumentales disco se habían convertido en la base de gran parte de la música hip hop. Este género se llamó "disco rap". Irónicamente, el auge de la música hip hop también jugó un papel en el eventual declive de la popularidad de la discoteca.

El sonido disco tuvo una fuerte influencia en la música hip hop temprana. La mayoría de las primeras canciones de rap / hip-hop se crearon aislando las líneas de bajo de la guitarra baja de la discoteca y doblando sobre ellas con rimas de MC. The Sugarhill Gang utilizó "Good Times" de Chic como base para su éxito de 1979 "Rapper's Delight", generalmente considerada como la canción que popularizó por primera vez la música rap en los Estados Unidos y en todo el mundo. En 1982, Afrika Bambaataa lanzó el sencillo "Planet Rock", que incorporó elementos electrónicos de "Trans-Europe Express" y "Numbers" de Kraftwerk, así como "Riot in Lagos" de YMO. El sonido Planet Rock también generó una tendencia de baile electrónico hip-hop, la música electrónica, que incluía canciones como "Play at Your Own Risk" de Planet Patrol (1982), "One More Shot" de C Bank (1982), "Club Underworld" de Cerrone. "(1984)," Let the Music Play "de Shannon (1983)," IOU "de Freeez (1983), "Freak-a-Zoid" de Midnight Star (1983), "I Feel For You" de Chaka Khan (1984).

DJ Pete Jones, Eddie Cheeba, DJ Hollywood y Love Bug Starski eran DJs de hip hop con influencia disco. Sus estilos diferían de otros músicos de hip hop que se centraban en rimas rápidas y esquemas rítmicos más complejos. Afrika Bambaataa, Paul Winley, Grandmaster Flash y Bobby Robinson eran todos miembros del tercer grupo. En Washington, D.C., el go-go surgió como una reacción contra la música disco y, finalmente, incorporó características del hip hop a principios de la década de 1980. El género de música electrónica basado en DJ se comportó de manera similar, eventualmente evolucionando hacia estilos underground conocidos como música house en Chicago y techno en Detroit.

Diversificación de estilos

La década de 1980 marcó la diversificación del hip hop a medida que el género desarrolló estilos más complejos. [96] La ciudad de Nueva York se convirtió en un verdadero laboratorio para la creación de nuevos sonidos hip hop. Los primeros ejemplos del proceso de diversificación se pueden escuchar en pistas como "The Adventures of Grandmaster Flash on the Wheels of Steel" de Grandmaster Flash (1981), un sencillo que consta en su totalidad de pistas muestreadas [97], así como "Planet Rock" de Afrika Bambaataa. (1982), y "Nunk" de Warp 9, (1982) [98] que significó la fusión de la música hip hop con la electro. Además, "Beat Bop" (1983) de Rammellzee & amp K-Rob fue un 'slow jam' que tuvo una influencia dub con su uso de reverberación y eco como textura y divertidos efectos de sonido. "Light Years Away", de Warp 9 (1983), (producido y escrito por Lotti Golden y Richard Scher) descrito como "la piedra angular del afrofuturismo beatbox de principios de los 80", por el periódico del Reino Unido, El guardián, [69] introdujo el comentario social desde una perspectiva de ciencia ficción. En la década de 1970, la música hip hop solía utilizar muestras del funk y, más tarde, del disco. La mitad de la década de 1980 marcó un cambio de paradigma en el desarrollo del hip hop, con la introducción de samples de la música rock, como se demuestra en los álbumes. Rey del rock y Licenciado para enfermos. El hip hop anterior a este cambio se caracterizaba como hip hop de la vieja escuela.

En 1980, Roland Corporation lanzó el TR-808 Rhythm Composer. Fue una de las primeras cajas de ritmos programables, con la que los usuarios podían crear sus propios ritmos en lugar de tener que usar patrones preestablecidos. Aunque fue un fracaso comercial, en el transcurso de la década, el 808 atrajo un culto entre los músicos underground por su asequibilidad en el mercado usado, [99] facilidad de uso, [100] y sonidos idiosincrásicos, particularmente su profundo, "boom". " tambor de bajo. [101] Se convirtió en una piedra angular de los géneros emergentes de electrónica, danza y hip hop, popularizados por éxitos tempranos como Afrika Bambaataa y "Planet Rock" de Soulsonic Force. [102] El 808 finalmente se usó en más discos de éxito que cualquier otra caja de ritmos [103] su popularidad con el hip hop en particular lo ha convertido en uno de los inventos más influyentes en la música popular, comparable a la influencia de la Fender Stratocaster en el rock. [104] [105]

Con el tiempo, la tecnología de muestreo se volvió más avanzada. Sin embargo, productores anteriores como Marley Marl usaban cajas de ritmos para construir sus ritmos a partir de pequeños extractos de otros ritmos sincronizados, en su caso, activando tres unidades de retardo de muestreo Korg a través de un Roland 808. Más tarde, samplers como el E-mu SP -1200 permitió no solo más memoria sino más flexibilidad para la producción creativa. Esto permitió la filtración y estratificación de diferentes golpes, y con la posibilidad de volver a secuenciarlos en una sola pieza. Con la aparición de una nueva generación de muestreadores como el AKAI S900 a finales de la década de 1980, los productores no tuvieron que crear bucles de cinta complejos y que consumían mucho tiempo. El primer álbum de Public Enemy se creó con la ayuda de grandes bucles de cinta. El proceso de hacer bucle de una ruptura en un breakbeat ahora se hizo más comúnmente con un sampler, ahora haciendo el trabajo que hasta ahora los DJs habían hecho manualmente usando tocadiscos. En 1989, DJ Mark James, bajo el sobrenombre de "45 King", lanzó "The 900 Number", una pista breakbeat creada mediante la sincronización de samplers y discos de vinilo. [86]

El contenido lírico y otros acompañamientos instrumentales del hip hop también se desarrollaron. Los primeros estilos líricos de 1970, que tendían a ser alardes y cánticos clichés, fueron reemplazados por letras metafóricas que exploraban una gama más amplia de temas. Además, la letra se interpretó sobre un acompañamiento instrumental de múltiples capas más complejo. Artistas como Melle Mel, Rakim, Chuck D, KRS-One y Warp 9 revolucionaron el hip hop transformándolo en una forma de arte más madura, con arreglos sofisticados, a menudo con "texturas preciosas y múltiples capas" [106] El sencillo influyente " The Message "(1982) de Grandmaster Flash and the Furious Five es ampliamente considerado como la fuerza pionera del rap consciente.

Los sellos discográficos independientes como Tommy Boy, Prism Records y Profile Records tuvieron éxito a principios de la década de 1980, lanzando discos a un ritmo vertiginoso en respuesta a la demanda generada por las estaciones de radio locales y los DJ de clubes. La música electrónica y el rap de principios de los 80 fueron catalizadores que provocaron el movimiento hip hop, liderado por artistas como Cybotron, Hashim, Afrika Bambaataa, Planet Patrol, Newcleus y Warp 9. En la escena discográfica de la ciudad de Nueva York, los artistas colaboraron con productores / escritores como como Arthur Baker, John Robie, Lotti Golden y Richard Scher, intercambiando ideas que contribuyeron al desarrollo del hip hop. [107] Algunos raperos eventualmente se convirtieron en artistas populares del pop. La aparición de Kurtis Blow en un comercial de Sprite soda pop [108] marcó al primer músico de hip hop en hacer un comercial para un producto importante. Las canciones de 1981 "Rapture" de Blondie y "Christmas Wrapping" de la banda new wave The Waitresses estuvieron entre las primeras canciones pop en usar el rap. En 1982, Afrika Bambaataa presentó el hip hop a una audiencia internacional con "Planet Rock".

Antes de la década de 1980, la música hip hop se limitaba en gran medida al contexto de los Estados Unidos. Sin embargo, durante la década de 1980, comenzó su difusión y se convirtió en parte de la escena musical en decenas de países. Greg Wilson fue el primer DJ en presentar electro hip hop al público de clubes del Reino Unido a principios de la década de 1980, optando por el doblaje o las versiones instrumentales de Nunk de Warp 9, "ET Boogie" de Extra T, Hip Hop, Be Bop (Don't Stop ) de Man Parrish, Planet Rock y Dirty Talk. [109]

A principios de la década, B-boying se convirtió en el primer aspecto de la cultura hip hop en llegar a Japón, Australia y Sudáfrica. En Sudáfrica, el grupo de breakdance Black Noise estableció la práctica antes de comenzar a rapear a finales de la década. El músico y presentador Sidney se convirtió en el primer presentador de televisión negro de Francia con su programa CADERA. BRINCAR. [110] que se proyectó en TF1 durante 1984, una novedad en el género en todo el mundo. Sidney es considerado el padre del hip hop francés. Radio Nova ayudó a lanzar otras estrellas francesas del hip hop, incluido Dee Nasty, cuyo álbum de 1984 Paname City Rappin ' junto con las compilaciones Rapattitude 1 y 2 contribuyeron a una conciencia general del hip hop en Francia.

El hip hop siempre ha mantenido una relación muy estrecha con la comunidad latina de Nueva York. DJ Disco Wiz y Rock Steady Crew estuvieron entre los primeros innovadores de Puerto Rico, combinando inglés y español en sus letras. The Mean Machine grabó su primera canción bajo el sello "Disco Dreams" en 1981, mientras que Kid Frost de Los Ángeles comenzó su carrera en 1982. Cypress Hill se formó en 1988 en el suburbio de South Gate en las afueras de Los Ángeles cuando Senen Reyes (nacido en La Habana) y su hermano menor Ulpiano Sergio (Mellow Man Ace) se mudaron de Cuba a South Gate con su familia en 1971. Se asociaron con DVX de Queens (Nueva York), Lawrence Muggerud (DJ Muggs) y Louis Freese (B-Real ), un mexicano / cubanoamericano nativo de Los Ángeles. Después de la salida de "Ace" para comenzar su carrera en solitario, el grupo adoptó el nombre de Cypress Hill, el nombre de una calle que atraviesa un vecindario cercano en el sur de Los Ángeles.

Se dice que el hip hop japonés comenzó cuando Hiroshi Fujiwara regresó a Japón y comenzó a tocar discos de hip hop a principios de la década de 1980. [111] El hip hop japonés generalmente tiende a estar más directamente influenciado por el hip hop de la vieja escuela, tomando los ritmos pegadizos de la época, la cultura dance y la naturaleza en general divertida y despreocupada e incorporándolos a su música. El hip hop se convirtió en uno de los géneros musicales convencionales más viables comercialmente en Japón, y la línea que lo separa de la música pop se difumina con frecuencia.

La nueva escuela de hip hop fue la segunda ola de música hip hop, que se originó en 1983-84 con los primeros discos de Run-D.M.C. y LL Cool J. Al igual que con el hip hop que lo precedió (que posteriormente se conoció como hip hop de la vieja escuela), la nueva escuela provino predominantemente de la ciudad de Nueva York. La nueva escuela se caracterizó inicialmente en su forma por el minimalismo liderado por una caja de ritmos, con influencias de la música rock, un hip hop "música metal para los 80, un trance feo / bello de borde duro tan desesperado y estimulante como la misma Nueva York". [112] Se destacó por las burlas y los alardes sobre el rap y los comentarios sociopolíticos, ambos entregados con un estilo agresivo y autoafirmado. Tanto en imagen como en canción, sus artistas proyectaban una actitud de b-boy callejera, fría y dura.

Estos elementos contrastaban marcadamente con muchos de los grupos anteriores de hip hop con influencias del funk y el disco, cuya música a menudo se caracterizaba por éxitos novedosos, bandas en vivo, sintetizadores y "rimas de fiesta" (no todos los artistas anteriores a 1983-1984 tenían estos estilos ). Los artistas de la nueva escuela hicieron canciones más cortas que podían reproducirse más fácilmente en la radio, y produjeron álbumes LP más cohesivos que sus contrapartes de la vieja escuela. En 1986, sus lanzamientos comenzaron a establecer el álbum de hip-hop como un elemento fijo de la música convencional. La música hip hop se convirtió en un éxito comercial, como lo ejemplifica el álbum de 1986 de los Beastie Boys. Licenciado para enfermos, que fue el primer álbum de rap en alcanzar el número 1 en la Cartelera gráficos. [113]

La "edad de oro" del hip hop (o "era dorada") es un nombre dado a un período en el hip hop convencional, producido entre mediados de los 80 y mediados de los 90, [114] [115] [116] que se caracteriza por su diversidad, calidad, innovación e influencia. [117] [118] Hubo fuertes temas de afrocentrismo y militancia política en las letras del hip hop de la edad de oro. La música era experimental y el muestreo se basó en fuentes eclécticas. [119] A menudo había una fuerte influencia del jazz en la música. Los artistas y grupos más asociados con esta fase son Public Enemy, Boogie Down Productions, Eric B. & amp Rakim, De La Soul, A Tribe Called Quest, Gang Starr, Big Daddy Kane y los Jungle Brothers. [120]

La edad de oro se caracteriza por su innovación, una época "en la que parecía que cada nuevo single reinventaba el género" [121] según Piedra rodante. Refiriéndose al "hip-hop en su edad de oro", [122] Girar La editora en jefe, Sia Michel, dice: "Hubo tantos álbumes importantes e innovadores que salieron en ese momento", [122] y Sway Calloway de MTV agrega: "Lo que hizo que esa era fuera tan grandiosa es que nada fue ideado. Todo estaba todavía por descubrir y todo era todavía innovador y nuevo ". [123] El escritor William Jelani Cobb dice que "lo que hizo que la era que inauguraron mereciera el término de oro fue la gran cantidad de innovaciones estilísticas que surgieron. En estos años dorados, una masa crítica de prodigios del micrófono se creaban literalmente a sí mismos y a su arte. forma al mismo tiempo ". [124]

La edad de oro se extiende "desde aproximadamente 1986 a 1997", según Carl Stoffers de Noticias diarias de Nueva York. [114] En su artículo "In Search of the Golden Age Hip-Hop Sound", los teóricos de la música Ben Duinker y Denis Martin de Revisión de musicología empírica utilizar "los 11 años entre 1986 y 1996 inclusive como límites cronológicos" para definir la edad de oro, comenzando con los lanzamientos de Run-DMC Levantando el infierno y los Beastie Boys ' Licenciado para enfermos, y termina con la muerte de Tupac Shakur y el Notorious B.I.G .. [116] El boombox El escritor Todd "Stereo" Williams también cita el lanzamiento de mayo de 1986 de Levantando el infierno (que vendió más de tres millones de copias) como el comienzo del período y señala que durante el próximo año se lanzaron otros álbumes importantes con éxito, incluido Licenciado para enfermos, Boogie Down Productions ' Mentalidad criminal (1987), Public Enemy's ¡Yo! Bum Rush el espectáculo (1987) y Eric B. & amp Rakim's Pagado (1987). Williams ve este desarrollo como el comienzo de la propia "era de álbumes" del hip hop desde finales de los 80 hasta finales de los 90, durante la cual los álbumes de hip hop obtuvieron un reconocimiento crítico sin precedentes y "serían la vara de medir con la que la mayoría de los grandes del género serían juzgado". [125]

Gangsta rap y hip hop de la costa oeste

El rap gangsta es un subgénero del hip hop que refleja los estilos de vida violentos de los jóvenes negros estadounidenses de los barrios marginales. [127] Gangsta es una pronunciación no rótica de la palabra gángster. El género fue iniciado a mediados de la década de 1980 por raperos como Schoolly D y Ice-T, y fue popularizado en la última parte de la década de 1980 por grupos como N.W.A. En 1985, Schoolly D lanzó "PSK What Does It Mean?", Que a menudo se considera la primera canción de gangsta rap, seguida de "6 in the Mornin '" de Ice-T en 1986. Después de la atención nacional y la controversia que Ice -T y NWA creados a finales de los 80 y principios de los 90, así como la integración del G-funk a mediados de los 90, el gangsta rap se convirtió en el subgénero del hip hop más lucrativo comercialmente. Algunos raperos gangsta eran conocidos por mezclar los comentarios políticos y sociales del rap político con los elementos criminales y las historias de crímenes que se encuentran en el rap gangsta. [128]

N.W.A es el grupo más frecuentemente asociado con la fundación del gangsta rap. Sus letras eran más violentas, abiertamente confrontativas e impactantes que las de los actos de rap establecidos, con incesantes blasfemias y, de manera controvertida, el uso de la palabra "nigga". Estas letras se colocaron sobre ritmos rudos y de rock impulsados ​​por la guitarra, lo que contribuyó a la sensación de dureza de la música. El primer álbum de gangsta rap exitoso fue N.W.A's Directamente de Compton, lanzado en 1988. Directamente de Compton establecería el hip hop de la costa oeste como un género vital y establecería a Los Ángeles como un rival legítimo de la capital del hip hop desde hace mucho tiempo, la ciudad de Nueva York. Directamente de Compton desató la primera gran controversia con respecto a las letras de hip hop cuando su canción "Fuck tha Police" obtuvo una carta del subdirector del FBI, Milt Ahlerich, expresando fuertemente el resentimiento de las fuerzas del orden por la canción. [129] [130]

La controversia rodeó el álbum de Ice-T Número de muertos, en particular sobre su canción "Cop Killer". La canción tenía la intención de hablar desde el punto de vista de un criminal que se venga de policías racistas y brutales. La canción rock de Ice-T enfureció a los funcionarios del gobierno, la Asociación Nacional del Rifle y varios grupos de defensa de la policía. [131] En consecuencia, Time Warner Music se negó a lanzar el próximo álbum de Ice-T. Invasión de viviendas debido a la controversia en torno a "Cop Killer". Ice-T sugirió que el furor por la canción fue una reacción exagerada, y le dijo al periodista Chuck Philips ". Han hecho películas sobre asesinos de enfermeras y asesinos de maestros y asesinos de estudiantes. [El actor] Arnold Schwarzenegger sopló a docenas de policías como Terminator. Pero No escucho a nadie quejarse de eso ". En la misma entrevista, Ice-T sugirió a Philips que el malentendido de Asesino de policías y los intentos de censurarlo tenían connotaciones raciales: "La Corte Suprema dice que está bien que un hombre blanco queme una cruz en público. Pero nadie quiere que un hombre negro escriba un registro sobre un asesino de policías". [131]

El tema inherente al gangsta rap en general ha causado controversia. Las administraciones de la Casa Blanca tanto de George H.W. Bush y Bill Clinton criticaron el género. [126] "La razón por la que el rap está bajo ataque es porque expone todas las contradicciones de la cultura estadounidense. Lo que comenzó como una forma de arte clandestino se ha convertido en un vehículo para exponer muchos temas críticos que generalmente no se discuten en la política estadounidense. El problema aquí es que la Casa Blanca y aspirantes a como Bill Clinton representan un sistema político que nunca tiene la intención de lidiar con el caos urbano del centro de la ciudad ", dijo la hermana Souljah. Los tiempos. [126] Debido a la influencia de Ice-T y N.W.A, el gangsta rap a menudo se ve como un fenómeno principalmente de la costa oeste, a pesar de las contribuciones de actos de la costa este como Schoolly D y Boogie Down Productions en la configuración del género.

Avance de la corriente principal

En 1990, Public Enemy's Miedo a un planeta negro fue un éxito significativo entre los críticos musicales y los consumidores. [132] El álbum jugó un papel clave en el surgimiento de la corriente principal del hip hop en 1990, apodado por Cartelera el editor Paul Grein como "el año en que explotó el rap". [132] En un artículo de 1990 sobre su avance comercial, Janice C. Thompson de Tiempo escribió que el hip hop "se ha convertido en el desarrollo más emocionante de la música pop estadounidense en más de una década". [133] Thompson notó el impacto del single de Public Enemy de 1989 "Fight the Power", siendo el single Wild Thing del rapero Tone Lōc el single más vendido de 1989, y que en el momento de su artículo, casi un tercio de las canciones del Cartelera Hot 100 eran canciones de hip hop. [133] En un artículo similar de 1990, Robert Hilburn del Los Angeles Times poner en perspectiva el surgimiento comercial de la música hip hop:

Hace 10 años que "Rapper's Delight" de Sugarhill Gang se convirtió en el primer sencillo de rap en entrar en el Top 20. ¿Quién se imaginó entonces que la música estaría en 1990, y mucho menos producir atracciones que atraerían tanta atención pop? como Public Enemy y NWA? "Rapper's Delight" fue un disco novedoso que fue considerado por gran parte de la comunidad pop simplemente como una rama ligera de la música disco, y esa imagen se mantuvo durante años. Los discos ocasionales, incluidos "The Message" de Grandmaster Flash en 1982 y "It's Like That" de Run-DMC en 1984, obtuvieron la aprobación de la crítica, pero el rap, en su mayoría, fue descartado como un capricho pasajero, demasiado repetitivo, demasiado unidimensional. Sin embargo, el rap no desapareció, y una explosión de energía e imaginación a fines de la década de 1980 deja al rap actual como posiblemente el nuevo sonido más vital en el pop orientado a la calle desde el nacimiento del rock en la década de 1950. [134]

En 1990, mientras trabajaba con el grupo hip house Snap !, a Ronald "Bee-Stinger" Savage, un ex miembro de Universal Zulu Nation, se le atribuye el mérito de tallar el término "Seis elementos del movimiento Hip Hop" al inspirarse en Public Grabaciones del enemigo. Los "Seis Elementos del Movimiento Hip Hop" son: Conciencia de la Conciencia, Conciencia de los Derechos Civiles, Conciencia del Activismo, Justicia, Conciencia Política y Conciencia de la Comunidad en la música Savage es conocido como el Hijo del Movimiento Hip Hop. [135] [136] [137]

MC Hammer alcanzó el éxito comercial con el álbum multiplatino Por favor, martilla, no los lastimes. El récord alcanzó el n. ° 1 y el primer sencillo, "U Can't Touch This", se ubicó entre los diez primeros Cartelera Hot 100. MC Hammer se convirtió en uno de los raperos más exitosos de principios de los noventa y uno de los primeros nombres familiares en el género. El álbum elevó la música rap a un nuevo nivel de popularidad. Fue el primer álbum de hip-hop certificado como diamante por la RIAA con ventas de más de diez millones. [138] Sigue siendo uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos del género. [139] Hasta la fecha, el álbum ha vendido hasta 18 millones de unidades. [140] [141] [142] [143] Lanzado en 1990, "Ice Ice Baby" de Vanilla Ice fue el primer sencillo de hip hop en encabezar la Cartelera También alcanzó el número uno en el Reino Unido, Australia, entre otros, y se le ha acreditado por ayudar a diversificar el hip hop al presentarlo a una audiencia general. [144] En 1992, Dr. Dre publicó La crónica. Además de ayudar a establecer el gangsta rap de la costa oeste como más viable comercialmente que el hip hop de la costa este, [145] este álbum fundó un estilo llamado G Funk, que pronto llegó a dominar el hip hop de la costa oeste. El estilo fue desarrollado y popularizado aún más por el álbum de 1993 de Snoop Dogg. Perrito. Sin embargo, el hip hop todavía se encontró con la resistencia de la radio negra, incluidas las estaciones de radio contemporáneas urbanas. Russell Simmons dijo en 1990: "Las estaciones de radio negras odiaron el rap desde el principio y todavía hay mucha resistencia". [134]

A pesar de la falta de apoyo de algunas estaciones de radio negras, el hip hop se convirtió en el género musical más vendido a mediados de la década de 1990 y el género musical más vendido en 1999 con 81 millones de CD vendidos. [146] [147] [148] A finales de la década de 1990, el hip hop estaba dominado artísticamente por el clan Wu-Tang, Diddy y los Fugees. [145] Los Beastie Boys continuaron su éxito a lo largo de la década cruzando líneas de color y ganándose el respeto de muchos artistas diferentes. Los sellos discográficos con sede en Atlanta, St. Louis y Nueva Orleans también ganaron fama por sus escenas locales. La escena del rap del medio oeste también fue notable, con los estilos vocales rápidos de artistas como Bone Thugs-n-Harmony, Tech N9ne y Twista. A finales de la década, el hip hop era una parte integral de la música popular y muchas canciones pop estadounidenses tenían componentes de hip hop.

Rivalidad entre el este y el oeste

La rivalidad del hip hop entre la costa este y la costa oeste fue una disputa de 1991 a 1997 entre artistas y fanáticos del hip hop de la costa este y las escenas de hip hop de la costa oeste en los Estados Unidos, especialmente de 1994 a 1997. Los puntos focales de la disputa fueron el Este El rapero costero The Notorious BIG (y su sello con sede en Nueva York, Bad Boy Records) y el rapero con sede en la costa oeste Tupac Shakur (y su sello con sede en Los Ángeles), Death Row Records). Esta rivalidad comenzó antes de que los raperos aparecieran en escena. Debido a que Nueva York es el lugar de nacimiento del hip-hop, los artistas de la costa oeste sintieron que no recibían la misma cobertura mediática y atención pública que la costa este. [149] A medida que pasaba el tiempo, ambos raperos comenzaron a ganar fama y a medida que ambos se hicieron más conocidos, las tensiones continuaron aumentando. Finalmente, ambos artistas fueron asesinados a tiros luego de disparos desde vehículos por asaltantes desconocidos en 1997 y 1996, respectivamente.

Hip hop de la costa este

A principios de la década de 1990, el hip hop de la costa este estaba dominado por la pandilla Native Tongues, que estaba compuesta libremente por De La Soul con el productor Prince Paul, A Tribe Called Quest, los Jungle Brothers, así como sus afiliados independientes 3rd Bass, Main Source, y las menos exitosas Black Sheep y KMD. Aunque originalmente era una concepción de la "era de las margaritas" que enfatizaba los aspectos positivos de la vida, el material más oscuro (como la sugerente "Millie Pulled a Pistol on Santa" de De La Soul) pronto apareció. Artistas como Masta Ace (especialmente para SlaughtaHouse), Brand Nubian, Public Enemy, Organized Konfusion y Tragedy Khadafi tenían una pose más abiertamente militante, tanto en el sonido como en la forma. En 1993, el clan Wu-Tang Entra en Wu-Tang (36 cámaras) revitalizó la escena del hip hop de Nueva York al ser pionero en un rap hardcore de la costa este equivalente en intensidad a lo que se estaba produciendo en la costa oeste. [150] Según Allmusic, la producción de dos álbumes de Mobb Deep, El infame (1995) y El infierno en la tierra (1996), están "en deuda" con la producción inicial de RZA con Wu-Tang Clan. [151] [152]

El éxito de álbumes como el de Nas Illmatic y Notorious B.I.G.'s Listo para morir en 1994 consolidó el estado de la costa este durante una época de dominio de la costa oeste. En una edición de marzo de 2002 de Revista The Source, Nas se refirió a 1994 como "un renacimiento del Hip-Hop [de la ciudad] de Nueva York". [153] Las producciones de RZA, particularmente para el Wu-Tang Clan, se hicieron influyentes con artistas como Mobb Deep debido a la combinación de loops instrumentales algo separados, tambores altamente comprimidos y procesados, y contenido lírico gangsta. Álbumes en solitario de Wu-Tang como Raekwon the Chef's Solo construyó 4 Linx cubanos, Ghostface Killah's Hombre de Aceroy de GZA Espadas líquidas ahora se consideran clásicos junto con el material "básico" de Wu-Tang. La base del clan se extendió a otros grupos llamados "afiliados de Wu". Productores como DJ Premier (principalmente para Gang Starr pero también para otros artistas afiliados, como Jeru the Damaja), Pete Rock (con CL Smooth y suministrando ritmos para muchos otros), Buckwild, Large Professor, Diamond D y Q- Tip proporcionó ritmos para numerosos MC en ese momento, independientemente de la ubicación. Álbumes como el de Nas Illmatic, O.C.'s Palabra. Vida (1994) y Jay-Z's Duda razonable (1996) se componen de ritmos de este grupo de productores.

La rivalidad entre los raperos de la Costa Este y la Costa Oeste finalmente se volvió personal. [154] Más adelante en la década, la perspicacia comercial de Bad Boy Records se puso a prueba contra Jay-Z y sus Roc-A-Fella Records y, en la costa oeste, Death Row Records. De mediados a finales de la década de 1990 vio una generación de raperos como los miembros de D.I.T.C. como el difunto Big L y Big Pun. En la costa este, aunque el mercado de los "grandes negocios" dominó los asuntos comercialmente, desde finales de la década de 1990 hasta principios de la de 2000 se vieron varios sellos independientes de la costa este relativamente exitosos como Rawkus Records (con quienes Mos Def y Talib Kweli obtuvieron el éxito) y más tarde Def Jux. La historia de los dos sellos está entrelazada, el último fue iniciado por EL-P de Company Flow en reacción al primero, y ofreció una salida para más artistas underground como Mike Ladd, Aesop Rock, Mr Lif, RJD2, Cage y Buey caníbal. Otros actos como los hispanos incendiarios y el poeta slam convertido en MC Saul Williams tuvieron diferentes grados de éxito.

Hip hop de la costa oeste

Después de N.W.A. rompió, el ex miembro Dr. Dre fue liberado La crónica en 1992, que alcanzó el puesto número 1 en la lista de R & ampB / hip hop, [155] número 3 en la lista de pop, y generó un sencillo pop número 2 con "Nuthin 'but a' G 'Thang". La crónica llevó el rap de la costa oeste en una nueva dirección, [156] fuertemente influenciado por los artistas de P funk, fusionando ritmos funk suaves y fáciles con letras lentamente arrastradas. Esto llegó a ser conocido como G-funk y dominó el hip hop convencional a principios y mediados de la década de 1990 a través de una lista de artistas en Death Row Records de Suge Knight, incluido Tupac Shakur, cuyo álbum de doble disco Todos los ojos en mí fue un gran éxito con las canciones "Ambitionz az a Ridah" ​​y "2 of Amerikaz Most Wanted" [ cita necesaria ] y Snoop Doggy Dogg, cuyo Perrito incluyó los diez primeros éxitos "¿Cuál es mi nombre?" y "Gin and Juice". [157] Cuando el corredor de la muerte con sede en Los Ángeles construyó un imperio alrededor de Dre, Snoop y Tupac, también entró en una rivalidad con Bad Boy Records de la ciudad de Nueva York, liderado por Puff Daddy y The Notorious B.I.G ..

Separados de esta escena estaban otros artistas como Freestyle Fellowship y The Pharcyde, así como artistas más underground como el colectivo Solesides (DJ Shadow y Blackalicious entre otros), Jurassic 5, Ugly Duckling, People Under The Stairs, Tha Alkaholiks, y antes Souls of Mischief, que representó un regreso a las raíces del hip hop de muestreo y esquemas de rima bien planificados.

Mayor diversificación

En la década de 1990, el hip hop comenzó a diversificarse con otros estilos regionales emergiendo en la escena nacional. El rap sureño se hizo popular a principios de la década de 1990. [158] Los primeros raperos sureños en ganar atención nacional fueron los Geto Boys de Houston, Texas. [159] Las raíces del rap sureño se remontan al éxito de Geto Boy's ¡Agárrelo! En ese otro nivel en 1989, Rick Rubin produjo Los chicos de Geto en 1990, y No podemos ser detenidos en 1991. [160] El área de Houston también produjo otros artistas que fueron pioneros en el sonido del rap sureño temprano como UGK y la carrera en solitario de Scarface.

Los artistas de hip hop de Atlanta fueron clave para expandir aún más la música rap y llevar el hip hop sureño a la corriente principal. Lanzamientos como el de Arrested Development 3 años, 5 meses y 2 días en la vida de. en 1992, Goodie Mob's Comida para el alma en 1995 y OutKast ATLiens en 1996 todos fueron aclamados por la crítica. Otros sonidos regionales distintivos de St. Louis, Chicago, Washington D.C., Detroit y otros comenzaron a ganar popularidad.

Durante la edad de oro, los elementos del hip hop continuaron asimilándose a otros géneros de música popular. Las primeras oleadas de rap rock, rapcore y rap metal (fusiones respectivas de hip hop y rock, hardcore punk y heavy metal [162]) se hicieron populares entre el público general en este momento Run-DMC, Beastie Boys y Rage Against The Machine se encontraban entre las bandas más conocidas en estos campos. En Hawái, bandas como Sudden Rush combinaron elementos de hip hop con el idioma local y cuestiones políticas para formar un estilo llamado na mele paleoleo. [163]

Comercialización y nuevos rumbos

A finales de la década de 1990, a raíz de la muerte de Tupac Shakur y The Notorious BIG, surgió un nuevo sonido comercial en la escena del hip hop, a veces denominado "la era del bling" [165] (derivado de "Bling Bling "), [166]" era jiggy "[167] [168] (derivado de" Gettin 'Jiggy wit It "de Will Smith), o" era del traje brillante "(derivado de los trajes metálicos usados ​​por algunos raperos en videos musicales en el tiempo, como en "Mo Money Mo Problems" de The Notorious BIG, Puff Daddy y Mase). [169] Antes de finales de la década de 1990, el gangsta rap, aunque era un género de gran venta, también se consideraba fuera de la corriente principal del pop, comprometido a representar la experiencia del centro de la ciudad y no a "venderse" en las listas de éxitos. Sin embargo, el surgimiento de Bad Boy Records de Sean "Puff Daddy" Combs, impulsado por el éxito masivo del crossover del álbum de conjunto de Combs de 1997. No hay salida, marcó un cambio estilístico importante en el gangsta rap (y el hip hop convencional en general), ya que se volvería aún más exitoso comercialmente y popularmente aceptado. Ganchos y producción sedosos al estilo R&A, temas más materialistas y muestras de canciones pop y soul de éxito de las décadas de 1970 y 1980 fueron los elementos básicos de este sonido, que fue presentado por productores como Combs, Timbaland, The Trackmasters, The Neptunes, y Scott Storch. También lograron niveles similares de éxito en este momento fueron Master P y su sello No Limit en Nueva Orleans Master P construyó una lista de artistas (la pandilla No Limit) con base en Nueva Orleans, e incorporó las influencias de G funk y Miami bass en su música. El nuevo sello Cash Money de Nueva Orleans también estaba ganando popularidad durante este tiempo, [170] con artistas emergentes como Birdman, Lil Wayne, B.G y Juvenile.

Muchos de los raperos que lograron el éxito en la corriente principal en este momento, como Nelly, Puff Daddy, Jay-Z, la carrera posterior de Fat Joe y su Terror Squad, Mase, Ja Rule, Fabolous y Cam'ron, tuvieron un pop- orientado al estilo, mientras que otros como Big Pun, Fat Joe (en su carrera anterior), DMX, Eminem, 50 Cent y su G-Unit, y The Game disfrutaron del éxito comercial en este momento con un estilo más valiente. Aunque raperos blancos como Beastie Boys, House of Pain y 3rd Bass tuvieron anteriormente algún éxito popular o aceptación crítica de la comunidad del hip hop, el éxito de Eminem, comenzando en 1999 con el platino El LP Slim Shady, [171] sorprendió a muchos. Las influencias del hip hop también se abrieron paso cada vez más en el pop convencional durante este período, particularmente en géneros como el R&B (por ejemplo, R. Kelly, Akon, TLC, Destiny's Child, Beyonce, Ashanti, Aliyah, Usher), neo soul (por ejemplo, Lauryn Hill, Erykah Badu, Jill Scott) y nu metal (por ejemplo, Korn, Limp Bizkit).

Dr. Dre siguió siendo una figura importante en esta era, haciendo su regreso en 1999 con el álbum. 2001. En 2000, produjo El LP de Marshall Mathers de Eminem, y también produjo el álbum de 2003 de 50 Cent Hacerse rico o muere en el intento', que debutó en el número uno en las listas de Billboard 200 de EE. UU. [172] Jay-Z representó el triunfo cultural del hip hop en esta época. A medida que avanzaba su carrera, pasó de artista escénico a empresario, presidente de un sello discográfico, jefe de una línea de ropa, propietario de un club y consultor de mercado, rompiendo en el camino el récord de Elvis Presley para la mayoría de los álbumes número uno en el Cartelera listas de revistas de un artista en solitario.

Auge del hip hop alternativo

El hip hop alternativo, que se introdujo en la década de 1980 y luego declinó, resurgió a principios de mediados de la década de 2000 con el interés rejuvenecido por la música indie del público en general. El género comenzó a alcanzar un lugar en la corriente principal, debido en parte al éxito cruzado de artistas como OutKast, Kanye West y Gnarls Barkley. [173] Álbum de OutKast de 2003 Speakerboxxx / El amor a continuación recibió grandes elogios de los críticos de música y atrajo a una amplia gama de oyentes, ya que abarcaba numerosos géneros musicales, incluidos rap, rock, R & ampB, punk, jazz, indie, country, pop, electrónica y gospel. El álbum también generó dos singles de éxito número uno, y ha sido certificado diamante al vender 11 veces platino por la RIAA por enviar más de 11 millones de unidades, [174] convirtiéndose en uno de los álbumes de hip-hop más vendidos de todos los tiempos. También ganó un premio Grammy al Álbum del Año en la 46ª Entrega Anual de los Premios Grammy, siendo solo el segundo álbum de rap en hacerlo. Anteriormente, los actos de hip hop alternativo habían obtenido muchos elogios de la crítica, pero recibieron relativamente poca exposición a través de la radio y otros medios de comunicación durante este tiempo, artistas de hip hop alternativo como MF Doom, [175] The Roots, Dilated Peoples, Gnarls Barkley, Mos Def , y Aesop Rock [176] [177] comenzaron a lograr un reconocimiento significativo.

Glitch hop y música wonky

El glitch hop y la música wonky evolucionaron tras el auge del trip hop, el dubstep y la música dance inteligente (IDM). Tanto el glitch hop como la música wonky reflejan con frecuencia la naturaleza experimental de IDM y el bajo pesado que aparece en las canciones de dubstep. Si bien el trip hop ha sido descrito como una versión distinta del hip-hop de la clase media alta británica, el glitch-hop y la música wonky tienen mucha más diversidad estilística. Ambos géneros están derritiendo influencias. Glitch hop contiene ecos de la música pop de los 80, ragas indias, jazz ecléctico y rap de la costa oeste. Los Ángeles, Londres, Glasgow y varias otras ciudades se han convertido en puntos calientes para estas escenas, y las escenas subterráneas se han desarrollado en todo el mundo en comunidades más pequeñas. Ambos géneros suelen rendir homenaje a artistas de música electrónica más antiguos y consolidados como Radiohead, Aphex Twin y Boards of Canada, así como a productores independientes de hip hop como J Dilla y Madlib.

Glitch hop es un género de fusión de hip hop y música glitch que se originó a principios y mediados de la década de 2000 en Estados Unidos y Europa. Musicalmente, se basa en ritmos caóticos irregulares, líneas de bajo con fallas y otros efectos de sonido típicos utilizados en la música con fallas, como saltos. Los artistas de Glitch Hop incluyen Prefuse 73, Dabrye y Flying Lotus. Wonky es un subgénero del hip hop que se originó alrededor de 2008, pero más notablemente en los Estados Unidos y el Reino Unido, y entre los artistas internacionales del sello musical Hyperdub, bajo la influencia del glitch hop y el dubstep. La música wonky tiene el mismo estilo glitchy que el glitch hop, pero se destacó específicamente por sus melodías, ricas en "sintetizadores inestables de rango medio". Escocia se ha convertido en una de las escenas torcidas más destacadas, con artistas como Hudson Mohawke y Rustie.

Glitch hop y wonky son populares entre una audiencia relativamente más pequeña interesada en el hip hop alternativo y la música electrónica (especialmente el dubstep). Ni el glitch hop ni el wonky han alcanzado popularidad en la corriente principal. Sin embargo, artistas como Flying Lotus, The Glitch Mob y Hudson Mohawke han tenido éxito en otras avenidas. La música de Flying Lotus ha obtenido múltiples críticas positivas en el sitio independiente de reseñas de música Pitchfork.com, así como un lugar destacado (aunque no acreditado) durante las pausas comerciales de Adult Swim. ¡Hudson Mohawke es uno de los pocos artistas de glitch hop que toca en los principales festivales de música como Sasquatch! Festival de Música.

Música crunk

Crunk es un género de hip hop regional que se originó en Tennessee en el sur de los Estados Unidos en la década de 1990, influenciado por el bajo de Miami. Uno de los pioneros del crunk, Lil Jon, dijo que era una fusión de hip hop, electro y música electrónica de baile. El estilo fue promovido y comercializado por artistas de Memphis, Tennessee y Atlanta, Georgia, ganando una popularidad considerable a mediados de la década de 2000 a través de Lil Jon y los Ying Yang Twins. Normalmente se utilizan ritmos de caja de ritmos reducidos y en bucle. Los Roland TR-808 y 909 se encuentran entre los más populares. Los loops de la caja de ritmos suelen ir acompañados de melodías de sintetizador simples y repetidas y "puñaladas" de graves pesados. El tempo de la música es algo más lento que el hip-hop, alrededor de la velocidad del reguetón. El punto focal del crunk son más a menudo los ritmos y la música instrumental que las letras. Los raperos Crunk, sin embargo, a menudo gritan y gritan sus letras, creando un estilo de hip-hop agresivo, casi pesado. Mientras que otros subgéneros del hip-hop abordan preocupaciones sociopolíticas o personales, crunk es casi exclusivamente "música de fiesta", que favorece los eslóganes de hip-hop de llamada y respuesta en lugar de enfoques más sustantivos. [178] Crunk ayudó al hip hop sureño a ganar prominencia en la corriente principal durante este período, ya que los estilos clásicos de la costa este y oeste de la década de 1990 perdieron fuerza gradualmente.

Snap música e influencia de Internet

Snap rap (también conocido como ringtone rap) es un subgénero de crunk que surgió en Atlanta, Georgia, a fines de la década de 1990. [179] El género ganó popularidad a mediados de la década de 2000, y también comenzaron a surgir artistas de otros estados del sur, como Tennessee, actuando con este estilo. Las pistas suelen constar de un bombo Roland TR-808, un charles, un bajo, chasquidos de dedos, un ritmo principal y un gancho vocal simplista. Las canciones más exitosas incluyen "Lean wit It, Rock wit It" de Dem Franchize Boyz, "Laffy Taffy" de D4L, "It's Goin 'Down" de Yung Joc y "Crank That (Soulja Boy)" de Soulja Boy Tell' Em . En retrospectiva, a Soulja Boy se le atribuye haber marcado tendencias en el hip hop, como la autoedición de sus canciones a través de Internet (lo que les ayudó a volverse virales) y allanar el camino para una nueva ola de artistas más jóvenes. [180] [181]

Disminución de las ventas

A partir de 2005, las ventas de música hip hop en los Estados Unidos comenzaron a disminuir severamente, lo que llevó a Tiempo revista para cuestionar si la corriente principal del hip-hop estaba "muriendo". Cartelera La revista descubrió que, desde 2000, las ventas de rap cayeron un 44% y se redujeron al 10% de todas las ventas de música, lo que, aunque sigue siendo una cifra dominante en comparación con otros géneros, es una caída significativa del 13% de todas las ventas de música donde el rap música colocada regularmente. [182] [183] ​​Según Courtland Milloy de El Washington Post, por primera vez en cinco años, ningún álbum de rap estuvo entre los 10 más vendidos en 2006. [184] La crítica de cultura de NPR Elizabeth Blair señaló que "algunos expertos de la industria dicen que los jóvenes están hartos de la violencia, las imágenes degradantes y las letras . " Sin embargo, el informe de 2005 Generación M: Medios de comunicación en la vida de los niños de 8 a 18 años descubrió que la música hip hop es, con mucho, el género musical más popular para niños y adolescentes, con un 65 por ciento de los jóvenes de 8 a 18 años que lo escuchan a diario. [185]

Otros periodistas dicen que la música es tan popular como siempre, pero que los fanáticos han encontrado otros medios para consumirla, [186] como descargar música ilegalmente a través de redes P2P, en lugar de comprar álbumes y sencillos en tiendas legítimas. Por ejemplo, Flo Rida es conocido por sus bajas ventas de álbumes, independientemente de que sus sencillos sean populares y tengan éxito digital. Su segundo disco RAÍCES. vendió solo más de 200,000 unidades en total en los EE. UU., Lo que no pudo igualar las ventas del sencillo principal del álbum "Right Round". Esto también le sucedió en 2008. [187] Algunos culpan a que el hip hop se ha vuelto menos lírico con el tiempo, como el álbum debut de Soulja Boy en 2007. souljaboytellem.com que recibió críticas negativas. [188] La falta de muestreo, un elemento clave del hip hop temprano, también se ha notado por la disminución de la calidad de los álbumes modernos. Por ejemplo, solo hay cuatro muestras utilizadas en 2008 Rastro de papel por T.I., mientras que hay 35 muestras en 1998 Momento de la verdad por Gang Starr. La disminución del muestreo se debe en parte a que es demasiado caro para los productores. [189]

En el documental de Byron Hurt Hip Hop: más allá de los ritmos y las rimas, afirma que el hip hop había cambiado de "rimas inteligentes y ritmos de baile" a "defender la corrupción personal, social y criminal". [190] A pesar de la caída en las ventas de discos en la industria de la música, [191] el hip-hop se ha mantenido como un género popular, y los artistas del hip-hop siguen encabezando regularmente Cartelera 200 gráficos. Solo en la primera mitad de 2009 artistas como Eminem, [192] Rick Ross, [193] The Black Eyed Peas, [194] y Fabolous [195] tenían álbumes que alcanzaron la posición No. 1 en la Cartelera 200 gráficos. El álbum de Eminem Recaída fue uno de los álbumes más vendidos de 2009. [196]

Innovación y revitalización

A finales de la década de 2000, el hip hop alternativo se había asegurado su lugar dentro de la corriente principal, debido en parte a la declinante viabilidad comercial del gangsta rap. Los observadores de la industria ven la carrera de ventas entre Kanye West Graduación y 50 Cent's Curtis como un punto de inflexión para el hip hop. West salió vencedor, vendiendo casi un millón de copias solo en la primera semana, lo que demuestra que la música rap innovadora podría ser tan comercialmente viable como el gangsta rap, si no más. [197] Aunque lo diseñó como un álbum pop melancólico en lugar de un álbum de rap, Kanye siguió 808s y amp Heartbreak tendría un efecto significativo en la música hip hop. Si bien su decisión de cantar sobre el amor, la soledad y la angustia durante la totalidad del álbum fue al principio muy criticada por el público musical y se predijo que el álbum sería un fracaso, su posterior aclamación de la crítica y el éxito comercial alentaron a otros raperos convencionales a tomar más riesgos creativos con su música. [198] [199] Durante el lanzamiento de El plano 3, El magnate del rap neoyorquino Jay-Z reveló que el próximo álbum de estudio sería un esfuerzo experimental, afirmando: ". No será un álbum n. ° 1. Ahí es donde estoy ahora. Quiero hacer el álbum más experimental que jamás haya visto hecha." [200] Jay-Z explicó que, al igual que Kanye, no estaba satisfecho con el hip hop contemporáneo, se inspiraba en rockeros independientes como Grizzly Bear y afirmó que estaba convencido de que el movimiento del rock independiente desempeñaría un papel importante en la evolución continua de la cadera. -brincar. [201]

El movimiento del hip hop alternativo no se limitó solo a los Estados Unidos, ya que raperos como el poeta somalí-canadiense K'naan, el rapero japonés Shing02 y el artista británico de Sri Lanka M.I.A. logró un considerable reconocimiento mundial. En 2009, Tiempo La revista colocó a M.I.A en la lista Time 100 de las "personas más influyentes del mundo" por tener "influencia global en muchos géneros". [202] [203] Los movimientos de temática global también han surgido de la escena internacional del hip-hop con microgéneros como "Islamic Eco-Rap" que abordan temas de importancia mundial a través de voces tradicionalmente privadas de sus derechos. [204] [205]

Debido en parte al uso cada vez mayor de la distribución de música a través de las redes sociales y los blogs, muchos raperos alternativos y no alternativos encontraron aceptación por parte de audiencias de gran alcance, por lo que esta era del hip hop a veces se denomina la "era de los blogs". [206] [207] Varios artistas, como Kid Cudi y Drake, lograron alcanzar éxitos en las listas de éxitos, "Day 'n' Nite" y "Best I Ever Had", respectivamente, al lanzar su música en mixtapes en línea gratuitos sin la ayuda de un sello discográfico importante. Los críticos señalaron que los artistas emergentes de la época como Wale, Kendrick Lamar, [208] J. Cole, Lupe Fiasco, The Cool Kids, Jay Electronica y BoB expresaban sonidos eclécticos, experiencias de vida sensibles y emociones vulnerables que rara vez eran visto en la era bling anterior. [209] [210]

También en este momento, el efecto vocal Auto-Tune fue reforzado en popularidad por el rapero T-Pain, quien elaboró ​​sobre el efecto e hizo un uso activo de Auto-Tune en sus canciones. [211] Cita al nuevo productor de jack swing, Teddy Riley, y el uso de Talk Box del artista funk Roger Troutman como inspiración para su propio uso de Auto-Tune. [212] T-Pain se asoció tanto con Auto-Tune que tenía una aplicación para iPhone con su nombre que simulaba el efecto, llamada "I Am T-Pain". [213] Con el tiempo apodado el "efecto T-Pain", [214] el uso de Auto-Tune se convirtió en un elemento popular del hip hop de finales de 2000 y principios de 2010, como "Sexual Eruption" de Snoop Dogg, [215] Lil Wayne " Lollipop ", [216] álbum de Kanye West 808s y amp Heartbreak, [217] y el éxito número uno de The Black Eyed Peas "Boom Boom Pow". [214]

La música trap es un subgénero del rap sureño que se originó a principios de la década de 1990. Creció en la década de 2000 para convertirse en una sensación de la corriente principal, [218] eventualmente alcanzando la ubicuidad a mediados de la década de 2010 y con frecuencia las canciones encabezan la Cartelera gráficos de hip hop. [219] [220] [221] Se caracteriza por hi-hats subdivididos en doble o triple tiempo, [222] bombos pesados ​​de la caja de ritmos Roland TR-808, sintetizadores en capas y un tono oscuro, ominoso o sombrío en general. atmósfera. [223] La fuerte influencia del sonido llevó a otros artistas dentro del género a moverse hacia el sonido trap, siendo un ejemplo notable Jay-Z y Kanye West en su canción conjunta, "JAMÓN". Otros artistas que no pertenecen al género hip hop también han experimentado con el trap, como "7/11" de Beyoncé y "Dark Horse" de Katy Perry con Juicy J.

Los principales artistas que surgieron del género en la década de 2010 incluyen Waka Flocka Flame, Future, Chief Keef, Migos, Young Thug, Travis Scott, Kodak Black, 21 Savage, Yung Lean, Lil Uzi Vert, XXXTentacion, Ski Mask the Slump God, Juice. Wrld, Trippie Redd, Lil Pump, Smokepurpp, Rae Sremmurd, Tekashi 6ix9ine, NBA YoungBoy, Lil Baby, Fetty Wap, entre otros. Las raperas Cardi B y Megan Thee Stallion también entraron en la corriente principal. Los artistas del trap que se originaron en la década de 2000 pudieron recuperar el éxito general en la década de 2010 con el auge del trap, incluidos 2 Chainz, Gucci Mane y Juicy J, que tuvieron más éxito en la última parte de su carrera que cuando debutaron. Entre los productores de trap para alcanzar el éxito principal se encuentran Metro Boomin, London on da Track y Mike WiLL Made-It.

Los críticos del género trap han utilizado el término "rap mumble" para describir la entrega de versos muy autoajustados, ya veces difíciles de entender, de la mayoría de los artistas. [224] Artistas de larga data dentro del género han tenido sus propios comentarios con respecto al auge del rap mumble, como Rick Rubin afirmando que Eminem estaba confundido por él, [225] y Snoop Dogg afirmando que no puede diferenciar entre artistas. [226] Black Thought, rapero principal de The Roots, afirmó que "el juego ha cambiado. Es diferente. Los estándares son diferentes, los criterios que se tienen en cuenta para determinar la validez son diferentes. Estamos en un punto de la historia en el que el lirismo casi es el último en muchos aspectos ". [227]

El 17 de julio de 2017, Forbes informó que el hip-hop / R & ampB (que Nielsen SoundScan clasifica como el mismo género) había usurpado el rock como el género musical más consumido, convirtiéndose en el género musical más popular por primera vez en la historia de Estados Unidos. [228] [229] [230] [231]

Edad de la transmisión

El auge de las plataformas de transmisión como Spotify y Apple Music a mediados de la década de 2010 afectó en gran medida a todo el negocio de la música en su conjunto. [232] [233] A pesar de ser un mixtape gratuito solo para transmisión sin lanzamiento comercial, Chance the Rapper's Libro de colorear ganó Mejor Álbum de Rap en los Premios Grammy 2017, siendo el primer álbum de transmisión de todos los tiempos en ganar un Premio Grammy. [234] [235] Kanye West ha declarado que su propio álbum, Yeezus, marcó la muerte de los CD y, por lo tanto, su posterior lanzamiento, La vida de Pablo solo fue lanzado digitalmente. [236] La vida de Pablo también fue nominado al Mejor Álbum de Rap de 2017. En 2017, Drake lanzó un proyecto gratuito de solo transmisión titulado Mas vida, a la que llamó una "lista de reproducción", insistiendo en que no era ni un mixtape ni un álbum. [237]

La plataforma de distribución de audio en línea SoundCloud jugó un papel importante en la creación de las carreras de varios artistas en la segunda mitad de la década de 2010.Los actos principales que comenzarán en SoundCloud incluyen Post Malone, Lil Uzi Vert, Russ, Bryson Tiller, Lil Xan, Lil Pump, Lil Peep, Lil Skies, Smokepurpp, Ski Mask the Slump God, XXXTentacion, Trippie Redd, Playboi Carti, YBN Nahmir, Tay-K, ZillaKami, Ugly God, NAV entre otros. Estas canciones suelen estar estrechamente relacionadas con el trap, pero también se han etiquetado por separado como rap de SoundCloud. Se han caracterizado por tener matices tristes y de mal humor, y por lo general presentan una producción áspera de baja fidelidad. El género ha recibido muchas críticas por su bajo esfuerzo en la letra y la producción, [238] y la naturaleza problemática de los artistas que surgen de él, como el abuso de drogas de Lil Peep que lo llevó a la muerte, [239] el asalto múltiple cargos a XXXTentacion, [240] 6ix9ine declararse culpable de utilizar a un niño en una actuación sexual, [241] y los cargos de asesinato de Tay-K. [242]

La música hip-hop ha llegado a los corredores culturales del mundo y ha sido absorbida y reinventada en todo el mundo. [243] La música hip hop se expandió más allá de los EE. UU., A menudo mezclando estilos locales con hip hop. El hip hop se ha globalizado en muchas culturas en todo el mundo, como se evidencia a través del surgimiento de numerosas escenas regionales. Ha surgido a nivel mundial como un movimiento basado en los principios principales de la cultura hip hop. La música y el arte continúan abrazando, incluso celebrando, sus dimensiones transnacionales mientras se mantienen fieles a las culturas locales a las que está arraigada. El impacto del hip-hop varía según la cultura. Aún así, lo único que prácticamente todos los artistas de hip hop en todo el mundo tienen en común es que reconocen su deuda con los afroamericanos de Nueva York que lanzaron el movimiento global. [244]

Los latinos y la gente del Caribe jugaron un papel integral en el desarrollo temprano del hip hop en Nueva York, y el estilo se extendió a casi todos los países de esa región. El hip hop se desarrolló por primera vez en el sur del Bronx, que tenía una alta población latina, particularmente puertorriqueña, en la década de 1970. [245] Algunos raperos famosos de la ciudad de Nueva York de origen puertorriqueño son Big Pun, Fat Joe y Angie Martinez. Con grupos de rap latino como Cypress Hill en las listas estadounidenses, los grupos de rap rock mexicano, como Control Machete, alcanzaron prominencia en su tierra natal.

En muchos países de América Latina, como en Estados Unidos, el hip hop ha sido una herramienta con la que las personas marginadas pueden articular su lucha. El hip hop se hizo cada vez más popular en Cuba en las décadas de 1980 y 1990 durante el Período Especial de Cuba que llegó con la caída de la Unión Soviética. [246] Durante este período de crisis económica, que atrajo especialmente a las poblaciones negras y pobres del país, el hip hop se convirtió en una forma para que la población afrodescendiente del país aceptara su negritud y articulara una demanda de igualdad racial para los negros en Cuba. [247] La ​​idea de la negritud y la liberación negra no siempre fue compatible con los objetivos del gobierno cubano, que aún operaba bajo la idea de que una sociedad sin raza era la correcta realización de la Revolución Cubana. Cuando surgió el hip-hop, el gobierno cubano se opuso a la imagen vulgar que retrataban los raperos, pero luego aceptó que sería mejor tener el hip-hop bajo la influencia del Ministerio de Cultura como una expresión auténtica de la cultura cubana. [248] Los raperos que hablan explícitamente sobre la raza o el racismo en Cuba todavía están bajo escrutinio por parte del gobierno. [249] Un concierto anual de hip hop cubano, a partir de 1995, celebrado en Alamar en La Habana ayudó a popularizar el hip hop cubano. Los famosos grupos de rap cubano incluyen a Krudas Cubensi y Supercrónica Obsesión.

Los negros e indígenas de América Latina y las islas del Caribe han estado usando el hip hop durante décadas para discutir cuestiones de raza y clase en sus respectivos países. El hip hop brasileño está fuertemente asociado con problemas raciales y económicos en el país, donde muchos afrobrasileños viven en comunidades económicamente desfavorecidas, conocidas en Brasil como favelas. São Paulo es donde comenzó el hip hop en el país, pero pronto se extendió por todo Brasil, y hoy, casi todas las grandes ciudades brasileñas, incluidas Río de Janeiro, Salvador, Curitiba, Porto Alegre, Belo Horizonte, Recife y Brasilia, tienen una tendencia escena de salto. Algunos artistas notables incluyen Racionais MC's, Thaide y Marcelo D2. Uno de los raperos más populares de Brasil, MV Bill, ha pasado su carrera abogando por la juventud negra en Río de Janeiro. [249]

El reguetón, un estilo de música puertorriqueño, tiene muchas similitudes con el hip hop estadounidense. Ambos fueron influenciados por la música jamaicana y ambos incorporan rap y llamada y respuesta. [250] La música dancehall y el hip de los Estados Unidos son música popular en Puerto Rico, y el reguetón es la acumulación de diferentes tradiciones musicales fundadas por personas afrodescendientes en el Caribe y los Estados Unidos. [251] Algunos de los artistas más populares del reggaetón incluyen a Don Omar, Tego Calderón y Daddy Yankee.

En Venezuela, el malestar social a fines de la década de 1980 y principios de la de 1990 coincidió con el auge del gangsta rap en los Estados Unidos y llevó al auge de esa música también en Venezuela. Los raperos venezolanos en la década de 1990 generalmente modelaron su música a partir del gangsta rap, adoptando e intentando redefinir los estereotipos negativos sobre los jóvenes pobres y negros como peligrosos y materialistas e incorporando en su música la crítica socialmente consciente de la criminalización de los jóvenes, pobres y afrodescendientes en Venezuela. [252]

En Haití, el hip hop se desarrolló a principios de la década de 1980. Al maestro Dji y sus canciones "Vakans" y "Politik Pa m" se les atribuye principalmente el auge del hip hop haitiano. Lo que más tarde se conoció como "Rap Kreyòl" creció en popularidad a fines de la década de 1990 con King Posse y Original Rap Stuff. Debido a la tecnología de grabación más barata y los flujos de equipos a Haití, más grupos de Rap Kreyòl están grabando canciones, incluso después del terremoto del 12 de enero. El hip hop haitiano se ha convertido recientemente en una forma para que los artistas de origen haitiano en Haití y en el extranjero expresen su identidad nacional y opiniones políticas sobre su país de origen. [253] Los raperos han abrazado el rojo y el azul de la bandera de Haití y han rapeado en criollo haitiano para mostrar su origen nacional. En República Dominicana, una grabación de Santi Y Sus Duendes y Lisa M se convirtió en el primer sencillo de merenrap, una fusión de hip hop y merengue.

En Europa, África y Asia, el hip hop comenzó a pasar del underground al público general. En Europa, el hip hop era el dominio tanto de los nacionales étnicos como de los inmigrantes. El hip hop británico, por ejemplo, se convirtió en un género propio y generó artistas como Wiley, Dizzee Rascal, The Streets y muchos más. Alemania produjo el conocido Die Fantastischen Vier, así como varios artistas turcos como el controvertido Cartel, Kool Savaş y Azad. Del mismo modo, Francia ha producido una serie de estrellas nativas, como IAM y Suprême NTM, MC Solaar, Rohff, Rim'K o Booba. En los Países Bajos, los raperos importantes de los noventa incluyen a The Osdorp Posse, un equipo de Amsterdam, Extince, de Oosterhout y Postmen. Italia encontró que sus propios raperos, incluidos Jovanotti y Articolo 31, se hicieron famosos a nivel nacional, mientras que la escena polaca comenzó en serio a principios de la década con el ascenso de PM Cool Lee. En Rumania, B.U.G. La mafia salió del barrio de Pantelimon de Bucarest, y su estilo de gangsta rap subraya los paralelismos entre la vida en los bloques de apartamentos de la era comunista de Rumania y en los proyectos de vivienda de los guetos de Estados Unidos.

Uno de los países fuera de los EE. UU. Donde el hip-hop es más popular es el Reino Unido. Grime, un género de música derivado de UK Garage y drum and bass e influenciado por el hip hop, surgió a principios de la década de 2000 con artistas como Dizzee Rascal ganando éxito. Aunque es inmensamente popular, muchos políticos británicos critican la música por lo que consideran que promueve el robo y el asesinato, similar al gangsta rap en Estados Unidos. Estas críticas han sido consideradas racistas por la industria de la mugre, en su mayoría negra, británica. A pesar de su naturaleza controvertida, el grime ha tenido un efecto importante en la moda británica y la música pop, con muchos jóvenes de clase trabajadora emulando la ropa usada por estrellas del grime como Dizzee Rascal y Wiley. Hay muchos subgéneros de grime, incluido "Rhythm and Grime", una mezcla de R & ampB y grime, y grindie, una mezcla de indie rock y grime popularizado por la banda de indie rock Hadouken.

En Alemania y Francia, el gangsta rap se ha vuelto popular entre los jóvenes a los que les gustan las letras violentas y agresivas. Algunos raperos alemanes coquetean abierta o cómicamente con el nazismo, por ejemplo, Bushido (cuyo nombre de nacimiento es Anis Mohamed Youssef Ferchichi) rapea "Salutiert, steht stramm, Ich bin der Leader wie A" (Saludo, ponte firme, soy el líder como 'A') y Fler tuvo un éxito con el disco Neue Deutsche Welle (New German Wave) completo con el título escrito en estilo gótico del Tercer Reich y anunciado con una cita de Adolf Hitler. Estas referencias también generaron una gran controversia en Alemania. Mientras tanto, en Francia, artistas como Idéal J de Kery James mantuvieron una actitud radical y antiautoritaria y lanzaron canciones como Duro que atacó el crecimiento de la extrema derecha francesa. En los Países Bajos, MC Brainpower pasó de ser un rapero de batalla clandestino a ser reconocido en el Benelux, influyendo así en numerosos artistas de rap de la región. En Israel, el rapero Subliminal llega a la juventud israelí con letras de temática política y religiosa, generalmente con un mensaje sionista.

En Asia, las estrellas del mainstream se destacaron en Filipinas, lideradas por Francis Magalona, ​​Rap Asia, MC Lara y Lady Diane. En Japón, donde los raperos clandestinos habían encontrado previamente una audiencia limitada, y los ídolos adolescentes populares llevaron un estilo llamado J-rap a la cima de las listas a mediados de la década de 1990. De particular importancia es la influencia en las naciones del este de Asia, donde la música hip hop se ha fusionado con la música popular local para formar diferentes estilos como K-pop, C-pop y J-pop.

El hip hop de Israel creció enormemente en popularidad a finales de la década, con varias estrellas palestinas (Tamer Nafar) e israelíes (Subliminal). En Portugal el hip hop tiene su propio tipo de rap, que es una escena más política y underground, son conocidos por Valete, Dealema y Halloween. El hip hop ruso surgió durante los últimos años de la Unión Soviética y se consolidó más tarde, con grupos como Malchishnik y Bad Balance disfrutando de la popularidad generalizada en la década de 1990, mientras que Ligalize y Kasta fueron populares en la década de 2000. En la antigua Yugoslavia, el hip hop apareció por primera vez durante la década de 1980 principalmente con hip hop serbio con artistas como B-boy, The Master Scratch Band, Badvajzer y otros. A fines de la década de 1990, el hip hop tuvo un auge, con Rambo Amadeus y más tarde Beogradski sindikat convirtiéndose en un actor importante. El hip hop de Bosnia y Herzegovina está dominado actualmente por Edo Maajka. En la región, el hip hop se utiliza a menudo como mensaje político y social en temas de canciones como la guerra, la especulación, la corrupción, etc. Frenkie, otro rapero bosnio, está asociado con Edo Maajka y ha colaborado más allá de las fronteras bosnias.

En Tanzania, a principios de la década de 2000, los artistas locales de hip hop se hicieron populares al infundir estilos locales de afrobeat y melodías arabescas, ritmos dancehall y hip-hop con letras en swahili.


¿Cuál es el origen del Rap? - Historia

Las últimas semanas han visto una serie de disputas de rap en los titulares internacionales. Primero vino el álbum sorpresa de Eminem Kamikaze, que vio al rapero de batalla experimentado apuntar a todos, desde Vince Staples y Drake hasta Machine Gun Kelly y Tyler, The Creator (con un insulto homofóbico lanzado en buena medida, naturalmente) días después, Meek Mill y Drake finalmente aplastaron su largo- corriendo la carne (pocos días después de que Kanye se disculpara por su papel en las pistas de Pusha-T) luego, después de ignorar lo que muchos percibieron como una serie de discursos furtivos, Cardi B intensificó su enemistad con Nicki Minaj arrojándole un zapato durante Nueva York Fashion Week y luego lanzar un ataque de Instagram.

Ha sido una semana vertiginosa, por decir lo menos, pero todas estas historias parecen indicar que la larga cultura del hip-hop de rap, así como las pistas y batallas que los han hecho tan legendarios, no van a ninguna parte. El propio Pusha recientemente dudó de esto, argumentando que simplemente ya no son divertidas, pero el apetito del público por estas noticias parece sugerir lo contrario.

Así que vale la pena explorar: ¿cómo y cuándo los golpes bajos líricos y las pistas salvajes de distorsión se convirtieron en un elemento básico del rap? ¿Y cómo ha cambiado el papel de estas carnes en la era cada vez más digital de hoy?

Para comprender la respuesta por completo se requiere un viaje de regreso a la historia del hip-hop. Aunque hay un puñado de precursores tempranos (los poetas pioneros del jazz en Harlem, los griots de África Occidental y el trabajo del 'Abuelo del Rap' Gil Scott-Heron son solo algunos ejemplos), los orígenes de la música hip-hop como la conocemos generalmente se rastrean de regreso a un modesto bloque de apartamentos (1520 Sedgwick Avenue, para ser exactos) en el Bronx.

Fue en el verano de 1973 cuando el deseo de Cindy Campbell de ganar dinero en efectivo para algunas nuevas adiciones al vestuario la llevó a organizar una fiesta en la calle de "regreso a la escuela". Campbell tenía pocos fondos, pero estaba decidida a que funcionara, por lo que elaboró ​​algunas invitaciones inspiradas en el graffiti y miró dentro de su propia familia cuando se trataba de contratar todo, desde catering hasta entretenimiento. Sus padres le proporcionaron alimentos y bebidas, y su hermano, un joven de 16 años conocido primero como Hércules y luego DJ Kool Herc, ambos debido a su estatura y físico, tomó los tocadiscos. Más de 40 años después, esta fatídica noche ha sido bautizada retrospectivamente como la primera fiesta de hip-hop de la historia.

Había algo diferente en DJ Kool Herc. Fue pionero en una técnica de DJ que pronto se convirtió en un elemento básico de la música hip-hop. Tocó discos de funk pero extendió sus segmentos instrumentales, gritando a sus amigos sobre los ritmos y cambiando rápidamente a cortes en otras pistas. Como muchos otros MC, también rapeaba líneas a la multitud que, con un estilo característico de llamada y respuesta, las devolvía con el tiempo. Estas líneas gradualmente se volvían más complejas, se ramificaban en versos y luego se convertían en rap como lo conocemos hoy.

Es más difícil rastrear los orígenes del rap de batalla, ya que estas compensaciones rápidas generalmente tenían lugar en las calles y el ganador ganaba un pequeño premio de victoria. Una vez más, algunos de los primeros ejemplos se remontan a Nueva York. En 1981, el rapero Busy Bee Starski, conocido principalmente por sus rimas de comedia, estaba tocando en un set en la celebración navideña de Harlem World que incluía a algunos de los artistas que él nombró, Kool Moe Dee, que también estaba en el escenario. lugar, y no estaba dispuesto a dejar que la disidencia se deslizara. Un letrista respetado y miembro de los Tres Traicioneros, Dee se deslizó sobre el escenario para ofrecer una respuesta de estilo libre que se convirtió en uno de los momentos más famosos en la historia de las batallas del rap.

En términos de la carne de rap que se basó en disses grabados en lugar de batallas callejeras, uno de los primeros ejemplos importantes se acredita a menudo a Roxanne Shanté. La estrella criminalmente pasada por alto pasó sus años de formación en Queensbridge, un complejo de viviendas públicas de Nueva York que también engendró leyendas como Nas y Mobb Deep.Fue dentro de estos muros donde perfeccionaría sus habilidades en batallas de rap improvisadas, desarrollando una reputación como una de las más populares. letristas feroces en el edificio.

No fue hasta que Marley Marl, una trabajadora de una fábrica de mezclilla que ocasionalmente producía ritmos, le pidió que hiciera estilo libre sobre un ritmo que realmente entró en los anales del rap. El ritmo en cuestión se levantó inicialmente de una pista del grupo de rap U.T.F.O., "Roxanne, Roxanne", cuyas letras estaban dedicadas a una mujer desconocida que se resistió a sus avances. En 1984 cometieron el error de enojar a Marl al cancelar un programa de promoción de radio, por lo que, en represalia, reclutó a Shanté, que entonces tenía 14 años, para dar una respuesta mordaz en la que interpretó el papel de la Roxanne en cuestión. La pista explotó casi de inmediato, y aunque las acciones legales llevaron a la creación de nuevos ritmos y la eliminación de algunas maldiciones, el sencillo resultante "Roxanne's Revenge" vendió más de 250.000 copias.

Se grabaron una gran cantidad de pistas de respuesta, la disputa ahora se conoce como las 'Guerras de Roxanne', pero la floreciente carrera de Shanté fue esencialmente detenida por gerentes masculinos que continuarían maltratándola. "Los raperos sintieron que estaba tirando las cosas", explicó en un Cartelera entrevista publicada a raíz de su película biográfica de Netflix de 2018. "Si la mejor en el juego es una niña, entonces el rap ya no será visto como algo masculino".

Este éxito llevó a una explosión en la popularidad de las pistas de distorsión a lo largo de la década de 1980. Algunas de las pistas más conocidas provienen de Juice Crew, de la que Shanté también era miembro, pero otra rivalidad legendaria involucró a Kool Moe Dee y un letrista emergente llamado LL Cool J. En 1987, Dee acusó a LL por primera vez de mordiendo su flujo (una acusación también hecha por MC Shan en "Beat Biter") y apuntó a su letra cargada de fanfarronadas en "How Ya Like Me Now" LL respondió con "Jack the Ripper", lo que provocó una serie de comentarios de espalda y -cuatro pistas que desde entonces se han convertido en icónicas.

La mayoría de las primeras peleas de rap de alto perfil, y muchas de las peleas más recientes, fueron provocadas por acusaciones de "morder", o en otras palabras, tomar prestado en gran medida o simplemente copiar, el estilo, el flujo o el ritmo de otro artista. Algunos lo ven como un homenaje y otros lo ven como un robo; hasta el día de hoy es un debate que aún está en curso. También vale la pena recordar que la carne de res puede ponerse fea. Aunque es innegable que algunas peleas se vuelven personales, las batallas de rap y las pistas de distorsión son una parte integral de la cultura del hip-hop, que se hacen en gran parte por premios en metálico o por respeto. Es competitivo, pero en última instancia se trata de habilidad. Desafortunadamente, las cosas no siempre terminan aquí.

Los asesinatos de Notorious B.I.G. y 2Pac siguen sin resolverse, pero se ha argumentado en innumerables ocasiones que su problema de larga data, parte de la disputa entre la costa este y oeste que dominó el apogeo del rap de gángsters, causó sus muertes prematuras. En un documental lanzado el año pasado, Ice-T describió su historia como "una tragedia que no tenía por qué suceder" y admite que nunca pensó en sus jabs líricos (explicó que la competencia es parte de "lo que construyó el hip-hop" ) se materializaría en un peligro real. Los dos raperos pueden ser responsables de algunas de las pistas más icónicas de la industria ("Hit Em Up" y "Who Shot Ya?" Son a menudo aclamadas como las mejores de la historia), pero su rivalidad sirve como un recordatorio de que estas enemistades no Siempre terminan en el estudio, en detrimento de todos.

Otras carnes se han vuelto igualmente peligrosas: vea el ataque de Lil B, los comentarios de Styles P sobre la disputa de Beanie Siegel y, por supuesto, el lanzamiento de tacones de Cardi como ejemplos. Un artista con un montón de enemistades en su haber es 50 Cent, cuyas largas rivalidades con todos, desde Ja Rule (aún en curso) hasta varios ex miembros de G-Unit (en gran parte aún en curso) le han valido una reputación como uno de los más- hombres impugnados en rap. Es posible que desde entonces hayan aplastado el drama, pero su problema con The Game también se volvió feo en 2005, un tiroteo se produjo fuera del estudio de radio Hot 97 de Nueva York después de que 50 lo expulsaron formalmente del grupo al aire, dejando a una persona herida.

A pesar de los problemas legales y financieros que suelen implicar, la gran mayoría de las disputas se resuelven. Incluso la famosa carne de vaca de Ice Cube con su ex tripulación N.W.A. - que comenzó por regalías no pagadas y las afirmaciones de Cube de que los raperos políticos se habían vendido - llegó a su fin después de cinco años, aunque su legado sigue vivo en la forma de "No Vaseline", una de las disensiones más impactantes jamás registradas. .

Luego está la enemistad de casi una década entre Nas y JAY-Z, que finalmente se aplastó en el escenario en 2005. La tensión comenzó a aumentar entre los dos titanes en 1996, cuando Nas supuestamente no se presentó a una sesión de grabación. Recientemente analizamos exactamente lo que sucedió en la década posterior a que Nas lanzó por primera vez un subliminal sobre "El mensaje". Por cierto, Jay jugó con los rumores de que su programa "I Declare War" emitiría algunos nombres de alto perfil, pero esa noche cambió el rostro de la historia del hip-hop al llevar a Nas al escenario. "Toda esa mierda de carne está hecha", explicó. "Nos divertimos mucho".

Pero los disparos no siempre se disparan sobre pistas grabadas. Aunque muchos disses son totalmente de estilo libre en el estudio, la destilación musical más pura del genio del rap se puede encontrar en los torneos de batalla. Los concursos de ida y vuelta tienden a operar con reglas estrictas y vienen con un premio en efectivo, pero también son responsables de descubrir algunos de los raperos más talentosos de la historia de la música. Kendrick Lamar, entonces conocido como K Dot, se robó el show como miembro de la audiencia en esta batalla de 2009, mientras que las propias experiencias de Eminem en el circuito inspiraron a los de 2002. 8 millas y lo ayudó a desarrollar la técnica de fuego rápido y humillaciones rápidas por las que ahora es conocido.

En términos de lugares, no son mucho más famosos que Fight Klub de Nueva York. Establecida en algún momento a mediados de la década de los noventa, fue sede de una batalla icónica e implacable entre Lady Luck y Remy Ma (quien, incluso después de su liberación de la cárcel, no ha sido ajena a las carnes de alto perfil) e incluso se convirtió en la primera liga. para ser transmitido por televisión. Aunque la emisión de Fight Klub por MTV2 duró poco, generó una serie de batallas impresionantes e incluso contó con veteranos del rap como Murda Mook y French Montana. Las audiciones reabrieron en 2016, pero su historia principal se ha olvidado en gran medida, con la excepción de algunos clips de archivo que permanecen en línea.

El papel de las mujeres en la historia de la carne de rap también se ignora con demasiada frecuencia. Shanté básicamente escribió el plano, y su influencia inspiró a muchas otras mujeres a aplaudir en un 2017. identificación La entrevista Salt-N-Pepa reveló que ella era su "modelo a seguir", y que ella era una gran parte de la razón por la que también se unieron a Marley Marl para lanzar una pista de respuesta a Slick Rick y Doug E Fresh, que esencialmente lanzó su carrera. .

Décadas más tarde, las mujeres en el rap comenzaron a buscarse unas a otras de forma regular, en parte porque la carne de res es una parte tan integral de la cultura hip-hop, pero también porque las mujeres se enfrentan con demasiada frecuencia entre sí por el uno (y solo uno). ) lugar de 'rapera' en la industria. Esta idea obviamente tiene sus raíces en el sexismo Funkmaster Flex incluso admitió en una reciente y larga entrevista con Nicki Minaj que una de las principales razones por las que creía que las acusaciones de escritura fantasma dirigidas contra ella era el hecho de que era una mujer.


¿Cuál es el origen del Rap? - Historia

Dubspot & # 8217s Rory PQ nos lleva a través de la historia hasta los orígenes del hip-hop y explora la explosiva evolución cultural de los géneros.

Orígenes del hip-hop

El hip-hop es una cultura nacida de las cenizas de la música disco y el desarrollo del funk. A principios de los 70, muchos grupos de funk comenzaron a tocar disco porque en ese momento era la última tendencia. A partir de las técnicas de producción disco, la música funk comenzó a convertirse en tecnología impulsada a medida que absorbía más sonidos electrónicos de sintetizadores y cajas de ritmos. A mediados de los 70, el funk se convirtió en la nueva música dance en la América urbana.

Mirando hacia atrás a Nueva York durante esta era, comenzamos a ver un colapso económico. La ciudad de Nueva York estaba atravesando una crisis fiscal y la economía de la ciudad se estaba desmoronando debido al declive de la industria manufacturera. Gran parte de la clase media blanca también comenzó a trasladarse a los suburbios, y la violencia de las pandillas iba en aumento. Muchas de las oportunidades en la industria de la música y las fuentes de recreación se evaporaron. Las discotecas y los clubes nocturnos cerraron sus puertas porque no había suficiente dinero para pagar el entretenimiento. Como resultado, la juventud urbana llevó la fiesta a las calles con un equipo de audio móvil llamado “Sound Systems” que fue introducido por la cultura jamaicana.

Durante estas fiestas de barrio, los DJ tocaban géneros musicales populares, especialmente funk y soul. Al igual que en el estilo de los DJ de discoteca de su época, los DJ de funk mezclaban pausas de percusión en las canciones. Combinar y mezclar descansos fue una técnica común utilizada en la música dub jamaicana y más tarde fue introducida en Nueva York principalmente por inmigrantes del Caribe. Estas reinterpretaciones rítmicas se convirtieron en las partes más esperadas de las canciones donde la gente bailaba más. Surgió un estilo de baile completamente nuevo basado en los descansos llamado breakdance o "b-boying".

Uno de los primeros DJ de hip-hop más influyentes fue DJ Kool Herc, a quien se ha llamado el "padre fundador del hip-hop". Kool Herc aislaría la sección instrumental de un disco que enfatizara el ritmo de la batería, o "break", y luego cambiaría de un break a otro usando un par de tocadiscos. También reproduciría dos copias del mismo disco para extender la pausa. Este estilo de malabarismo breakbeat de DJ formó la base del turntablismo que influyó mucho en el auge de la música hip-hop.

El MC

Para exaltar a la multitud en estas fiestas de barrio, los DJ iban acompañados de un maestro de ceremonias, también conocido como MC o maestro de ceremonias. Un MC presentaría a los DJ, entretendría a la multitud, hablaría o rimaría a la audiencia y proporcionaría voces habladas sobre la música. A finales de los 70, sellos discográficos como "Sugar Hill" comenzaron a sacar provecho de la creciente tendencia de DJ y MC. Algunos de los primeros discos de música rap fueron grabados por bandas de discoteca en vivo y un MC rapeando sobre la música.

El padrino del hip-hop

Una de las figuras más influyentes e importantes que emergió de la escena de la música callejera de Nueva York fue Afrika Bambaataa, también conocida como & # 8220 El Padrino & # 8221. En muchos sentidos, Bambaataa fue un visionario que ayudó a guiar a los jóvenes de la ciudad lejos de la violencia de las pandillas y en las muchas expresiones de la cultura hip-hop a través del DJ, el rap, el beatboxing, el breakdance y el arte visual. Formó Zulu Nation, un movimiento musical de personas creativas que creían en la unidad a través de una cultura hip-hop positiva.

Echa un vistazo a "Planet Rock" y "Looking for the Perfect Beat", que son dos de las canciones de Bambaataa que se han convertido en himnos del hip-hop.

Tecnología de música antigua

A finales de los 70 y principios de los 80, los fabricantes de instrumentos musicales comenzaron a diseñar más instrumentos de hardware, como el legendario Roland TR-808, que fue una de las primeras cajas de ritmos programables. A medida que se desarrolló la música rap, comenzamos a ver a los bateristas en vivo siendo reemplazados por cajas de ritmos y un mayor uso de DJ que rayarían discos para agregar un elemento de percusión a la música. Alrededor de esta época surgió la tecnología de muestreo y las cajas de ritmos estuvieron ampliamente disponibles para el público en general a un costo asequible para el consumidor medio. Los DJ también comenzaron a convertirse en productores y comenzaron a usar tecnología de muestreo para juntar las pausas en las canciones en lugar de usar tocadiscos. Los samplers legendarios como el MPC de Akai permitieron a los productores tomar una sección de una canción y editarla para tocarla como un instrumento en una secuencia o agregar sonidos y texturas adicionales. Esencialmente, esta técnica fue una remezcla temprana.

Edad de oro del hip-hop

A finales de los 80, el hip-hop se había extendido por todo el país. Los sellos discográficos reconocieron el género como una tendencia emergente y comenzaron a invertir mucho dinero en el movimiento. Nuevas escenas y diferentes estilos surgieron de ciudad en ciudad a medida que la cultura se popularizaba. La música se desarrolló rápidamente y también se volvió más compleja. La nueva generación de productores de hip-hop tuvo acceso a cajas de ritmos y samplers más avanzados que les permitieron llevar el muestreo y la superposición de sonidos al siguiente nivel. Esta nueva era fue etiquetada como la "Edad de Oro" del hip-hop y duró durante los 80 y principios de los 90. Durante este período de tiempo, el hip-hop era en gran parte experimental y se caracterizaba por su sonido, diversidad, innovación, actitud e influencias de diferentes regiones. Se estaban descubriendo nuevas e innovadoras técnicas de producción que conducían a estilos más avanzados. Incluso el contenido lírico de los raperos de hip-hop evolucionó.

Muestreo y Copyright

A principios de los 90, el muestreo se estaba utilizando mucho en la música rap. Los propietarios originales de los derechos de autor de la música que se estaba probando escucharon partes de sus canciones utilizadas en nueva música rap y se dieron cuenta de que no se les pagaba por ello. Después de muchas acciones legales, se implantaron leyes de cumplimiento de los derechos de autor que exigían a los artistas que borraran todas las muestras con anticipación para evitar demandas. La eliminación de muestras era muy costosa y muchos sellos discográficos no podían permitirse borrar todas las muestras. La música rap comenzó a tomar una dirección completamente nueva y los productores tuvieron que comenzar a hacer sus propios sonidos en lugar de depender en gran medida de las muestras. Comenzamos a escuchar un sonido completamente diferente porque los productores ya no extraían muestras de canciones de funk, disco y rock. La música empezó a perder gran parte de su jazz, soul y estética.

Cultura global

Después de la explosión de diversidad a mediados de los 80 y los 90, la música hip-hop se volvió más comercial y fue el género musical más vendido a finales de los 90. La popularidad de la música hip-hop continuó durante la década de 2000 y finalmente se abrió camino en la música pop y electrónica convencional. Hasta el día de hoy, el hip-hop es reconocido mundialmente y continúa influyendo en la música, los estilos y la cultura de todo el mundo. Se ha convertido en un estilo de vida. En palabras de KRS-One, "el hip-hop es algo que vives, el rap es algo que haces".

Programa de fundamentos musicales

Descubra los orígenes de la música electrónica, desarrolle sus habilidades, aprenda el lenguaje y la teoría musical, y cree y reproduzca música de la manera que desee. Los estudiantes desarrollarán una comprensión más profunda de las raíces y el linaje de una variedad de géneros de música electrónica y de baile, fortalecerán sus habilidades con el teclado y aprenderán teoría musical valiosa, profundizando su práctica creativa y facilitando colaboraciones efectivas con socios musicales.

Acerca de este programa

Los mejores productores, DJ y músicos del mundo se esfuerzan por ser completos. Por lo que debería. En el programa Music Foundations de Dubspot, explorarás tres aspectos principales de la música: teoría rítmica, teoría melódica y escucha crítica.

La mayoría de los primeros músicos electrónicos pioneros tenían años de formación en conservatorio en teoría y ejecución, pero tenían acceso a tecnologías muy limitadas. En el mundo musical actual, sucede lo contrario: tenemos una variedad poderosa y versátil de herramientas de creación de música electrónica al alcance de la mano, pero a menudo nos quedamos cortos en nuestra comprensión teórica de cómo funciona la música electrónica.

Nuestro programa Music Foundations está diseñado para llenar este vacío y brindar capacitación en habilidades y conceptos fundamentales con el músico electrónico, el DJ y el productor en mente. En este curso, desarrollará sus habilidades y aprenderá los conceptos básicos del lenguaje y la teoría musical para que pueda crear y tocar la música que desee. También desarrollará una comprensión más profunda de las raíces y el linaje de una variedad de géneros de música electrónica y de baile, y explorará técnicas de composición y estructura de canciones. Las lecciones semanales de tareas para los tres cursos se han diseñado con Ableton Live y, a lo largo del camino, también aprenderá los conceptos básicos de Ableton y cómo usarlo como una herramienta poderosa para mejorar su habilidad musical de diversas maneras.

Qué está incluido

  • Fundamentos de la música Nivel 1: Teoría rítmica de pads y amplificadores
  • Fundamentos de la música Nivel 2: Teclas y teoría melódica del amplificador
  • Fundamentos de la música Nivel 3: Escucha crítica

Información adicional

Visita las Fundaciones de la Música página del curso para información detallada sobre este programa aquí.

Si tiene preguntas, llame al 877.DUBSPOT o envíenos un mensaje.


¿Cuál es el origen del Rap? - Historia

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El arte de poner las palabras al ritmo se puede encontrar en muchas culturas. En China lo llaman Canciones de Qin los Ashantes de África llaman a su versión Versos opuestos en Jamaica se llama charlando y en Trinidad es & # 8217s doblaje o Mamaguy. En Europa occidental se le llama poesía.

Sin embargo, el rap es una invención afroamericana. Así como la cultura afroamericana desarrolló su propia herencia musical reconocible en la música de jazz, el rap también se ha convertido en una firma no solo de la cultura afroamericana sino también de la cultura de la juventud moderna a medida que expresan opiniones y buscan respuestas. Extendiendo los límites y difuminando las líneas del arte, la cultura, la política y la sociedad, el rap va más allá de la música, las letras y la poesía con actuaciones que inspiran al público joven a mirar más allá de la superficie de todo lo que experimentan para encontrar su propia voz. .

Poemas interpretados en & # 8220Roots of Rap: Poetry & # 8221

& # 8220All is Loud & # 8221 (rima pigmea)
& # 8220Sangaree & # 8221 (canción esclava)
& # 8220Negro habla de ríos & # 8221 (Langston Hughes)
& # 8220 Yo mismo & # 8221 (Angel Gonzales)
& # 8220 Nosotros usamos la máscara & # 8221 (Paul Lawrence Dunbar)
& # 8220 Hombres fuertes & # 8221 (Sterling A. Brown)
& # 8220Runagate I & amp II & # 8221 (Robert Hayden)
& # 8220El día del juicio final & # 8221 (Sepho Sempamla)
& # 8220Weary Blues & # 8221 (Langston Hughes)
& # 8220Patrimonio & # 8221 (Countee Cullen)
& # 8220 Little Brown Baby & # 8221 (Paul Lawrence Dunbar)
& # 8220Pero él era genial & # 8221 (Don L. Lee)

Al igual que el rap, la poesía convencional utiliza palabras y ritmo para transmitir imagen y significado de una manera artística y memorable. Los elementos de la poesía que exploramos en The Roots of Rap: Poetry incluyen: simbolismo, punto de vista, métrica, rima y dialecto.

Rap e Historia

Hace miles de años, los narradores africanos memorizaron la historia de sus tribus y la expresaron con palabras y canciones. Estos narradores se llamaban a sí mismos Jollees.

Los reyes proporcionarían alojamiento, comida y refugio a estos narradores especiales, que también fueron llamados para resolver disputas y dar consejos a los gobernantes.

Cuando los africanos fueron traídos a este hemisferio como esclavos en el siglo XVI, trajeron consigo una antigua tradición de hablar al ritmo: lo que hoy llamaríamos rapear.

Los esclavos en los Estados Unidos, influenciados por el rap de su herencia africana, enviaron mensajes codificados en forma de canciones y tambores. Usar palabras en ritmo para transmitir mensajes (ya sean secretos o públicos) es un uso muy eficaz del lenguaje.

Incluso hoy en día la gente usa cánticos y consignas cuando se manifiesta políticamente. Los anunciantes aprovechan el poder de esa técnica en jingles comerciales.

La música rap es a menudo controvertida y contundente, haciendo un uso completo del poder de las palabras y el ritmo perfeccionado por siglos de uso.

Lo que dice la gente & # 8230

& # 8220 ¡Guau! Los tenías en las palmas de tus manos. Sé que llevarán esta lección con ellos durante mucho tiempo. Una visita obligada. & # 8221 - Genia Flammia, Perlas Hawthorne ES

& # 8220 Nunca había visto mis clases tan cautivadas con una actuación, ¡no tuve que decirle a ninguno de ellos que dejara de hablar! Estaban tan interesados ​​en los actores, la música, la danza y el mensaje. & # 8221 - Denise Casale, MS Robert Moses

& # 8220Roots of Rap fue excelente tanto para el Mes de la Historia Negra como para nuestro estudio de género de poesía. El material mejora enormemente nuestro plan de estudios y es una forma excelente y divertida de aprender. ¡¡No dejes pasar este programa !! & # 8221 - Michele Bodanza, Este de Suffolk BOCES


Una historia de Hick-Hop: la historia de rap country de 27 años

No es posible ignorar el fenómeno hick-hop. It & aposs generó un reality show, videos virales y una próspera escena marginal, junto con la medida tradicional de éxito del país y los sencillos # x2014 que encabezan las listas. Esta tendencia actual fue precedida por más de medio siglo de grabaciones al estilo del blues: el libertino occidental Tex Williams & aposs & quotSmoke! ¡Fumar! ¡Fumar! (That Cigarette) & quot; el violín del rockero sureño Charlie Daniels & apos & quot; El diablo se fue a Georgia & quot; el narrador y recolector funky Jerry Reed & aposs & quot; When You & aposre Hot, You & aposre Hot & quot y Johnny Cash & aposs & quot; Un chico llamado Sue & quot, por nombrar solo algunos.

Pero Cash and Co. no estaban rapeando técnicamente. La conversación animada y sincopada era su forma de transmitir baladas narrativas con estilo. La tradición de las recitaciones rítmicas del country preparó a personalidades descomunales como Toby Keith, Trace Adkins y Big & amp Rich para comenzar a aprovechar la influencia del hip-hop. La estética del country-rap cristalizó una vez que una red de creadores de música de Georgia, hogar de la capital sureña del rap, Atlanta, hizo sentir su presencia en Nashville. Pronto, los principales raperos de tendencia country migraron al formato country y surgió una nueva generación de fanáticos en twang, rock y Tupac. Estos son los hitos del movimiento, en forma de línea de tiempo. Por Jewly Hight



Comentarios:

  1. Jullien

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